Categories
รีวิวหนัง

Movie Review: King Car

หนังตลกสยองขวัญของบราซิลเรื่อง “King Car” ที่ตลกขบขันอย่างไม่คาดคิดมาถึงอเมริกาด้วยการโจมตีสองครั้ง สำหรับผู้เริ่มต้น “King Car” จะออกฉายในช่วงสุดสัปดาห์แรกของเดือนมกราคม ดังนั้นผู้ชมที่ชอบการผจญภัย/อยากรู้อยากเห็นอาจไม่ได้ตั้งหน้าตั้งตารอการเสียดสีที่มืดมนเกี่ยวกับรถยนต์ที่มีความรู้สึกอ่อนไหว นอกจากนี้ยังเป็นเรื่องยากที่จะพูดถึง “King Car” โดยไม่รับทราบล่วงหน้าว่าใช่นี่คือไฮบริดประเภทอื่นในปี 2021 ที่ตัวเอกของมนุษย์มีเพศสัมพันธ์กับรถ “Titane” อาจได้รับรางวัล Palme D’Or เมื่อปีที่แล้ว แต่ “King Car” นั้นส่วนใหญ่เป็นคนปากต่อปากในหมู่ผู้เข้าร่วมเทศกาลภาพยนตร์ “ไททัน” เป็นคนดัง แต่ “คิงคาร์”? ใครรู้บ้างว่ามันคืออะไร นับประสาว่าจะขายอย่างไร?

เขียนบทและกำกับโดย Renata Pinheiro (และร่วมเขียนบทโดย Sergio Oliveira และ Leo Pyrata) “King Car” ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับ Uno (Luciano Pedro Jr.) คนรักรถวัยรุ่น และความสัมพันธ์ของเขากับตัวละครในหัวข้อ รถพูดได้ (พากย์โดย Tavinho) เตเซร่า). Uno และ King Car มีความสัมพันธ์ที่ไม่ธรรมดาอย่างที่คุณอาจคาดหวัง: ตัวละครของ Pedro ได้รับการบูรณะใหม่ (และให้กล่องเสียงตามตัวอักษร) King Car หลังจากกฎหมายท้องถิ่นฉบับใหม่ห้ามไม่ให้ผู้ขับขี่รถยนต์ในแคว้นเปอร์นัมบูกันขับรถที่มีอายุมากกว่า 30 ปี King Car ก่อนการฟื้นฟูยังใช้ในการส่งกระแสจิต—และโดยเฉพาะ—สื่อสารกับ Uno (แสดงโดย Alexandre Lima ในวัยหนุ่มในฉากแรก) และในที่เกิดเหตุ King Car ยังช่วย Uno จากอุบัติเหตุทางรถยนต์ที่คุกคามชีวิต น่าเสียดายที่การแทรกแซงของ King ส่งผลให้ Marileide (Ane Oliva) ซึ่งเป็นมารดาผู้ให้กำเนิดของ Uno เสียชีวิตโดยไม่ได้ตั้งใจ

คุณอาจสงสัยว่า: “King Car” เป็นหนึ่งในภาพยนตร์ที่รถพูดได้และเพื่อนมนุษย์ของเขาทะเลาะกันอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้เพราะใน “คริสติน” พวกเขามีความสัมพันธ์แบบปรสิตที่ไม่ดีต่อสุขภาพใช่หรือไม่ ใช่และไม่. เช่นเดียวกับคุณสมบัติก่อนหน้าของ David Cronenberg “King Car” จะสนุกที่สุดเมื่อผู้สร้างกำลังพัฒนาโลกของภาพยนตร์ไม่ใช่เรื่องราวของมัน เพราะในที่สุด “King Car” จะหยุดเกี่ยวกับความสัมพันธ์ของ Uno และ King Car และด้วยเรื่องราวที่เชื่อมโยงกันอย่างหลวม ๆ ก็เริ่มเกี่ยวกับตัวละครประกอบต่างๆ

มีพลวัตของอำนาจที่โรแมนติกและภายในประเทศที่คุ้นเคยอยู่บ้าง Uno เงยหน้าขึ้นมองนักประดิษฐ์ผู้สันโดษ/ลุงช่างเครื่องของเขา Zé (Matheus Nachtergaele) และดังนั้นจึงต้องขัดแย้งกับความรักที่ Clara (Pinheiro) นักศึกษาเกษตรศาสตร์รุ่นเยาว์ที่ไม่เข้าใจความหลงใหลใน King Car ของ Uno อย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ ในขณะเดียวกัน Zé ไม่เพียงแต่ช่วยสร้างรถขึ้นมาใหม่ แต่ยังเป็นผู้นำกลุ่มผู้คลั่งไคล้ที่ Zé บริหารจัดการด้วย แต่จริงๆ แล้วจัดโดย King Car ที่ร้ายกาจและไม่มั่นคงอย่างเห็นได้ชัด Pinheiro และนักเขียนร่วมสองคนของเธอสมควรได้รับเครดิตในการทำให้ตัวละครของพวกเขาทั้งน่าดึงดูดใจและมีส่วนร่วมโดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อใดก็ตามที่ภาพยนตร์ของพวกเขาเปลี่ยนเกียร์จากโปรแกรมเมอร์ที่มีแนวคิดสูงไปเป็นการเสียดสีที่กว้างขึ้นซึ่งชี้ให้เห็นถึงแนวโน้มทางการเมือง แม้กระทั่งการจลาจลของหัวเกียร์ที่นำโดยรถพูดได้— มักจะดูตัวเล็กลงและไร้สาระมากขึ้นเมื่อคุณรู้สาเหตุที่แท้จริงทางสังคม/ระหว่างบุคคล

“King Car” เป็นและไม่ใช่การยั่วยุแบบป๊อปอาร์ตที่เดือดลงไปถึงภาพลักษณ์ของหุ่นเชิด แต่อย่างใด King Car มีเซ็กส์กับ Mercedes (Jules Elting) แฟนสาวของZé ขณะที่เธอถูกกระตุ้นเมื่ออยู่นอกกล้อง ความสุขของเมอร์เซเดสได้รับการเน้นย้ำผ่านภาพใบหน้าของ Elting ที่ซ้อนทับกันในระยะใกล้ โดยให้แสงสว่างจากด้านหน้าด้วยแสงสีรุ้งอันสวยงามของหลังคาทรงที่นอนของ King Car นอกจากนี้ยังมีบทสนทนาหลังการมีเพศสัมพันธ์ที่น่ายินดี: King Car ถาม Mercedes ศิลปินแนวความคิดสตรีนิยมว่านั่น purnu.net เป็นครั้งแรกของเธอด้วยหรือไม่ เธอหัวเราะ; มันไม่ใช่ เขาชี้แจง: นั่นเป็นครั้งแรกที่เธอใช้เครื่องจักรหรือไม่? เสียงหัวเราะมากขึ้น ยัง ไม่ จากนั้น Mercedes พยายามสร้างความมั่นใจให้กับคนรักจักรกลของเธอ — “มีพลัง” เช่นนี้!—แต่ ณ จุดนี้ เห็นได้ชัดว่าฉากนี้ไม่ใช่แค่เรื่องยุ่งกับรถเท่านั้น—“King Car” ยังทำให้เวลาสำหรับการพูดคุยหมอน

เป็นเรื่องที่น่าดึงดูดใจที่จะบอกว่า Pinheiro และผู้สร้างร่วมของเธอได้สร้างภาพยนตร์ที่มักจะถูกจำกัดด้วยความคิดและอุปมาที่เกินจริงของกอนโซ ท้ายที่สุดนี่คือภาพยนตร์ที่คนหนุ่มสาวหลายคนถูกรถล้างสมองอย่างลึกลับหลังจากที่พวกเขาหายใจไม่ออกแล้วดื่มน้ำมันเครื่องที่ผสมฟอสฟอรัส ย้ำอีกครั้งว่า “King Car” โดยทั่วไปแล้วจะเรียบเรียงและให้แง่คิดมากกว่าที่คุณคิด: ผู้กำกับภาพเฟอร์นันโด ล็อคเกตต์เน้นเป็นพิเศษที่การบล็อกที่กว้างและสีพื้นผิวที่มืด (โดยเฉพาะสีน้ำเงินเมทัลลิกและสีเขียวเทอร์ควอยซ์) มักจะทำให้คุณรู้สึกเหมือนกำลังมองเห็นโลก ผ่านกระจกบังลมสี

“King Car” อาจทำให้ผู้ชมสงสัยเกี่ยวกับคำถามพื้นฐานจำนวนหนึ่ง (ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับโครงเรื่อง) แต่ก็มักจะรู้สึกเปิดกว้างและแม่นยำพอที่จะดำเนินการตามเงื่อนไขของตนเอง ทุกสิ่งที่คุณจำเป็นต้องรู้เกี่ยวกับ “King Car” อยู่ในภาพยนตร์ และถึงแม้จะฟังดูเป็นเรื่องท้าทาย แต่จริงๆ แล้วนี่คือภาพยนตร์ประเภทที่ควรดูและชื่นชมในสิ่งที่เป็นอยู่ ไม่ใช่สิ่งที่จะขาย

Categories
รีวิวหนัง

Movie Review: The Tender Bar

หากต้องการอ้างอิง Yogi Berra “The Tender Bar” คือ “déjà vu อีกครั้ง” นี่คือ “เรื่องราววัยเยาว์ของชายหนุ่ม” ที่คุณเคยเห็นซ้ำแล้วซ้ำเล่า ไม่มีอะไรใหม่ได้รับการเพิ่ม โปสเตอร์เรียกสิ่งนี้ว่า “หนังที่รู้สึกดี” แต่ใครควรจะรู้สึกดีที่นี่? ไม่ใช่ผู้ชมทั่วไปที่ได้เห็นเนื้อหาที่เหนื่อยนี้มาหลายครั้งจนสามารถท่องบทสนทนาได้จริง อาจเป็นตัวละครกลุ่มผู้แพ้กระสอบ “น่ารัก” ที่ได้รับประโยชน์จากข้อสงสัยเสมอไม่ว่าพวกเขาจะสมควรได้รับมันเพียงเล็กน้อยหรือไม่? บางทีอาจเป็นนักเขียนนวนิยายที่ได้รับรางวัลพูลิตเซอร์ที่มีหนังสือรับรองการปรับตัวนี้? หรืออาจเป็นจอร์จ คลูนีย์ ที่รับเงินเดือนเพื่อกำกับภาพยนตร์อย่างราบเรียบจนเขาไม่สนใจในทุกเฟรม

เราอยู่ในยุคของภาพยนตร์ลุง และตัวละครที่มีอิทธิพลของพวกเขาก็มีขอบเขตของแบบแผน เรามีลุงที่เป็นเกย์สุดเท่ใน “ลุงแฟรงค์” และลุงใจใหญ่และอ่อนไหวใน “C’mon C’mon” “The Tender Bar” มีลุงที่ตรงไปตรงมาและซื่อสัตย์ซึ่งตัวตนที่แท้จริงถูกพิษจากความคิดถึง คุณรู้จักสิ่งนี้ เขาเป็นคนที่ดุร้ายที่สบถต่อหน้าคุณเมื่อคุณยังเป็นเด็ก สัญญาว่าจะบอกความจริงกับคุณเสมอ และให้คำแนะนำที่โรแมนติกแก่คุณที่จะพิสูจน์ว่าไร้ประโยชน์ เขายังสามารถเอาคนขี้โกงนิรันดร์ไปจากเขา และความเสน่หาที่คุณมีต่อความแข็งแกร่งของเขาจะไม่หวั่นไหว คุณนึกย้อนไปถึงเขาด้วยความชื่นชอบ เพราะเขายิ่งใหญ่กว่าชีวิตในวัยหนุ่มของคุณมาก และความรักนั้นทำให้คุณนึกถึงตอนเป็นผู้ใหญ่โดยไม่เต็มใจ

เบน แอฟเฟล็กเป็นลุงแบบนี้ ซึ่งทำให้ผมคิดว่าหนังเรื่องนี้เกิดขึ้นที่บอสตันอย่างไม่ถูกต้อง ลุงเบ็นหรือที่เรียกกันว่าลุงชาร์ลีในฐานะตัวละครของแอฟเฟล็กได้รับการขนานนามว่าเป็นคนทำบาร์ในลองไอส์แลนด์ที่เรียกว่าดิคเก้นส์บาร์ ไม่เหมือนกับชื่อที่โด่งดังของ Joseph Cotten จาก “Shadow of a Doubt” ลุงชาร์ลีไม่ฆ่าคนและข่มขู่ลูกของน้องสาวของเขา ระดับดาวจะสูงขึ้นถ้าเขาทำ แต่เขาแนะนำหลานชาย JR ในเรื่องวิจิตรศิลป์ของการเป็นผู้ชาย บทเรียนเหล่านี้มีความจำเป็นเพราะคุณเดาได้ ว่าเจอาร์มีปัญหาเรื่องพ่อกับพ่อที่หายตัวไปของเขา ดีเจวิทยุชื่อเล่นว่า “เสียง” (แม็กซ์ มาร์ตินี่) JR ฟัง The Voice ทุกครั้งที่ทำได้ ในขณะที่เขาและแม่ (Lily Rabe) สงสัยว่าเขาอยู่ที่ไหน เมื่อพิจารณาว่าสถานีวิทยุมีจดหมายโทรศัพท์และสถานที่ตั้งในปี 2516 ไม่น่าจะยากเกินไปที่จะหาจังหวะตายนี้ เมื่อใดก็ตามที่ใครได้ยิน The Voice ทางวิทยุ พวกเขาจะเคาะหรือทำลายวิทยุทันที คนเหล่านี้มีวิทยุมากมายให้ชก

ไม่เป็นไร เดอะวอยซ์ปรากฏขึ้นทุก ๆ ครั้งเพื่อทำให้ JR หนุ่มผิดหวังที่คาดคะเนซึ่งเล่นในการเปิดตัวที่ยอดเยี่ยมโดย Daniel Ranieri และทำให้ JR ที่อายุมากกว่าซึ่งแสดงโดย Tye Sheridan โดยไม่สนใจมากเท่าที่ผู้กำกับของเขาจะยิงเขา . มุกตลกหลายๆ เรื่องที่ไม่เคยได้ผล (แต่จะเป็นแรงบันดาลใจให้เกมดื่มดีๆ ฆ่าเวลาของคุณ) คือการตอบกลับทุกครั้งที่ JR แนะนำตัวเอง “เจอาร์ย่อมาจากอะไร” พวกเขาถาม. ไม่มีคำตอบ เรื่องตลกที่ไม่ประสบความสำเร็จอีกอย่างหนึ่งคือเหตุผลที่ลุงชาร์ลีโกรธทุกครั้งที่เดอะวอยซ์ปรากฏขึ้น—เห็นได้ชัดว่าเขาเป็นหนี้ชาร์ลี 30 ดอลลาร์ ใจฉันฟุ้งซ่านไปถึงเด็กกระดาษขี้โมโหจากเรื่อง “Better Off Dead” ที่ร้องตะโกนอยู่ตลอดว่า “ฉันต้องการสองดอลลาร์!!” ทุกครั้งที่เห็นจอห์น คูแซก อย่างน้อยเขาก็ไม่พ่ายแพ้ต่อความต้องการแป้งของเขา ในทางกลับกัน ลุงชาลีไม่ได้โชคดีขนาดนั้น

แม่ (ตามที่เธอเรียกเก็บเงิน) ต้องการให้ JR ไปเยล ไม่มีใครเชื่อว่าเขาจะเข้าไปได้ อย่างน้อยที่สุดคุณปู่ (คริสโตเฟอร์ ลอยด์) คุณปู่ต้องการให้แม่ เจอาร์ และลุงชาร์ลีออกจากบ้านบ้าๆ ของเขา “คุณยังคงกลับมา!” เขาพูดเมื่อแม่บ่นว่าเขาเป็นพ่อที่แย่มาก ฉากเหล่านี้เล่นเหมือนซิทคอมที่ไม่ดี ฉันไม่รู้ว่าบทของ William Monahan ที่ซื่อสัตย์ต่อไดอารี่ของ J.R. Moehringer เป็นอย่างไร แต่ฉันหวังว่าหนังสือเล่มนี้จะมีเนื้อหาสาระมากขึ้นและมีความคิดโบราณน้อยลง ไม่ต้องบอกหรอกว่า JR จะเที่ยวเต็มเมืองเยลได้ง่ายๆ จะหลงรักผู้หญิงรวยๆ คนหนึ่งที่ใช้หัวใจปกสีฟ้าเป็นพรมเช็ดเท้า และจะบรรลุความฝันในการเป็นนักเขียนได้แม้จะเป็นยุคใหม่ York Times ไล่เขาออกเพราะเช่นเดียวกับหนังเรื่องนี้ ข่าวส่วนใหญ่ของเขาเกี่ยวกับ The Dickens Bar

“บรรยาย!!” อ่านบรรทัดแรกของบันทึกย่อของฉันสำหรับ “The Tender Bar” ฉันขีดเส้นใต้ความหงุดหงิดสามครั้ง เว้นแต่จะเป็นภาพยนตร์นัวร์หรือมอร์แกน ฟรีแมนอยู่ในเพลงประกอบ การบรรยายมักเป็นสัญลักษณ์ของการเขียนบทที่ขี้เกียจเกินไป จริงอยู่ นี่เป็นไดอารี่ แต่เมื่อ JR กำลังบอกคุณถึงสิ่งที่คุณเห็นหรือเพิ่งเห็น มันทำให้เสียงของเขาในซาวด์แทร็กไม่เกี่ยวข้อง ทำให้เรื่องแย่ลง ซึ่งแตกต่างจาก Ranieri ซึ่งดวงตาเปล่งประกายด้วยความประหลาดใจและความชื่นชมในทุกฉาก การแสดงของเชอริแดนไม่ตอบสนองใดๆ จากผู้ชม แม้แต่ในการประลองครั้งสุดท้ายที่โหดร้ายโดยไม่จำเป็นกับ The Voice ฉันคิดว่าด้วยความคุ้นเคยในทุกแง่มุมของพล็อต ผู้สร้างภาพยนตร์เรื่องนี้หวังว่าคุณจะนำสัมภาระทางอารมณ์ของคุณเองมาเพื่อที่คุณจะได้จัดการเรื่องหนักๆ แทนพวกเขาได้

อย่างน้อยแอฟเฟล็คก็เก่งมากที่นี่ เปลี่ยนบทบาทที่ไม่ขอบคุณให้เป็นสิ่งที่น่าจดจำมากกว่าเนื้อหา ฉันไม่ต้องการให้เขาเป็นลุงของฉัน แต่ความรักในการดำน้ำบาร์ทำให้ฉันต้องการให้เขาเป็นบาร์เทนเดอร์ของฉัน เขาสนุกกับบทสนทนาที่หยาบคายและเข้ากันได้ดีกับแขกประจำ รวมถึง Max Casella และ Michael Braun นี่คือบทบาทที่ได้รับการเสนอชื่อเข้าชิงรางวัลออสการ์จากการแสดงที่สมควรได้รับมากกว่าจากนักแสดงคนเดียวกันในภาพยนตร์คนละเรื่อง ดังนั้นอย่าแปลกใจถ้าแอฟเฟล็คได้รับบทบาทนี้ มันจะเป็นการพัฒนาที่สามารถคาดเดาได้เหมือนกับทุกรายละเอียดใน “The Tender Bar”

Categories
รีวิวหนัง

Movie Review: Red Rocket

“Red Rocket” เป็นอีกเรื่องหนึ่งในประเภทย่อยของภาพยนตร์เกี่ยวกับนักธุรกิจที่คลั่งไคล้หลงตัวเอง ชอบสังคม ขี้งอล ซึ่งเล่นสเก็ตตลอดชีวิตด้วยรูปลักษณ์และ/หรือเสน่ห์ ตัวละครหลักของเรื่องนี้คือ Mikey Saber (Simon Rex) อดีตดาราหนังโป๊ที่ดูดีสำหรับผู้ชายที่อายุ 50 และใช้ชีวิต 20 ปีเหมือนไม่มีวันพรุ่งนี้ ไมกี้ขี้อายเกี่ยวกับสิ่งที่พาเขากลับมาที่บ้านเกิดของเขาที่เท็กซัสซิตี้ รัฐเท็กซัส แต่เศษเสี้ยวของเรื่องราวเบื้องหลังที่เขาจัดเตรียมไว้ระหว่างการอวดดีและการโกหกและเกมฝึกสมองแนะนำว่าเขาไม่ได้ออกจากลอสแองเจลิสด้วยความตั้งใจของเขาเอง เขามาที่นี่เพื่อลบอดีตและเริ่มต้นใหม่: ความฝันแบบอเมริกัน

ไมกี้ปรากฏตัวขึ้นที่บังกะโลใกล้โรงกลั่น ซึ่งภรรยาที่เหินห่างและอดีตคู่หูลามก เล็กซี (บรี เอลรอด) อาศัยอยู่กับแม่ที่แก่แล้ว (เบรนดา ไดส์ส์) Lexi ปฏิเสธไม่ให้เขาเข้าไป แต่ Mikey เอาแต่แสดงความเห็นอกเห็นใจของเธอโดยหวังว่าจะเข้าไปข้างในได้นานพอที่จะอาบน้ำและขอยืมเสื้อผ้าที่ Lexi มีซึ่งสามารถผ่านพ้นเพศที่เป็นกลางได้ ในไม่ช้าเขาก็ขี่จักรยานที่ยืมมาของเธอไปสัมภาษณ์งาน และหลังจากทิ้งระเบิดทั้งหมด เขาก็ทะเลาะเบาะแว้งในฐานะพ่อค้าที่ทำธุรกิจเกี่ยวกับวัชพืชที่ดำเนินการโดยลีออนเดรีย (จูดี้ ฮิลล์) ผู้มีนิสัยเยือกเย็นและจูน (บริตต์นีย์ โรดริเกซ) ผู้บังคับบัญชาของเธอ ในไม่ช้าสิ่งต่าง ๆ ก็กำลังมองหาไมค์กี้ เขาเริ่มวางแผนสำหรับอนาคตที่จะพาเขากลับไปที่ลอสแองเจลิสเพื่อทวงศักดิ์ศรีที่สูญเสียไป

ไมกี้เป็นคนที่สามารถบอกคุณได้ว่าเขาปรากฏตัวขึ้นโดยไม่ได้แจ้งให้ทราบล่วงหน้าในชีวิตของคนที่คุณรักโดยไม่มีอะไรนอกจากเสื้อผ้าบนหลังของเขาและพูดตามตัวอักษรมากกว่าที่จะเปรียบเทียบ เมื่อ “จรวดแดง” ปรากฏ เราเข้าใจว่านี่เป็นสถานะเริ่มต้นของไมกี้ ฉวยโอกาสโดยเปล่าประโยชน์ เขาสวมเสื้อผ้าในความไว้วางใจของผู้อื่น ทุกสิ่งทุกอย่างเกี่ยวกับเขาเป็นเรื่องโกหก ตั้งแต่ชื่อเสียงที่ควรจะเป็น (เขากล่าวว่าวิดีโอของเขามี “อัตราการคลิกผ่าน 81%”) ไปจนถึงการแข็งตัวของอวัยวะเพศ (มารยาทของยาเม็ดที่ผิดพลาด) เขาทำเรื่องเลอะเทอะอยู่เสมอและจากนั้นก็หนีจากสถานที่เกิดภัยพิบัติ ช่วยตัวเองด้วยเงิน หม้อ เพศ การขนส่ง หรือที่พักใดๆ ก็ตามที่ขวางทางเขา

ณ จุดนี้ในอาชีพของพวกเขา ทีมผู้สร้างภาพยนตร์ของผู้กำกับฌอน เบเกอร์และคริส เบิร์กโกช ผู้เขียนร่วมประจำของเขาได้สร้างคลังภาพยนตร์ที่น่าประทับใจเกี่ยวกับกลุ่มชนกลุ่มน้อยชาวอเมริกัน “จรวดแดง” เป็นรายการล่าสุด มันมักจะเป็นเรื่องตลกที่หัวเราะออกมา ต้องขอบคุณความไร้ยางอายของไมกี้และปฏิกิริยาของคนอื่นๆ ที่มีต่อเรื่องนี้ (“แม่ของคุณเริ่มเรื่องไร้สาระกับฉัน ช่วยบอกเธอได้ไหมว่าฉันไม่ใช่ดิ๊ก” ไมค์กี้ตะโกนใส่เล็กซี่ “ทำไมฉันต้องโกหกแม่ด้วย” เล็กซี่พูด)

แต่ก็เป็นอย่างน้อยในรายการด้วยเช่นกัน ส่วนกลางของภาพยนตร์ความยาว 130 นาทีเรื่องนี้ ที่ Mikey ดักจับพนักงานร้านโดนัทอายุ 17 ปีชื่อสตรอว์เบอร์รี (ซูซานน่า ซัน) ที่หน้ากระฉับกระเฉง และวางแผนจะพาเธอไปที่แอลเอและเปลี่ยนเธอให้เป็นดาราหนังโป๊ และซ้ำซากจำเจ และมีบางช่วงเวลาใน “จรวดสีแดง” ที่มีภาพกราฟิกเกี่ยวกับเรื่องเพศซึ่งหากทีมผู้สร้างไม่สนับสนุนอย่างชัดเจนถึงความหลงใหลในสตรอเบอร์รี่เฒ่าหัวงูวัยกลางคนที่เป็นตัวเอกของพวกเขากับสตรอเบอร์รี่ พวกเขาก็ไม่ได้เข้มงวดกับการไกล่เกลี่ยอย่างที่ควรเป็น นอกจากนี้ยังไม่ชัดเจนจากการเขียนของสตรอเบอร์รี่หากเราควรอ่านเธอว่าเป็นคนแก่ที่แก่แดดและชักใยทางเพศ – เช่น กำลังสร้าง Mikey หรือถ้าเธอแสร้งทำเป็นเป็นหนึ่งเดียวเพราะมันทำให้ Mikey ตื่นเต้นและทำให้เธอรู้สึกกล้าหาญและเป็นคนโลกีย์

เบเคอร์และเร็กซ์สร้างไมกี้ขึ้นมาทันทีว่าเป็นหนึ่งในบรรดานักฆ่าที่แสดงตัวว่าเป็นเด็กที่โตรกแสนน่ารักด้วยเครื่องมือวิเศษและหน้าไอศครีม แต่จะทำลายชีวิตของคุณและไม่หันหลังกลับ (ในบทเปรียบเทียบเพียงฉากเดียวของสคริปต์ การดำเนินการนี้ตั้งขึ้นในระหว่างการหาเสียงในการเลือกตั้งประธานาธิบดีปี 2559 ได้ยินเสียงของโดนัลด์ ทรัมป์ กระบี่มิกกี้ทั้งในด้านธุรกิจและการเมือง) แต่ไม่นานนัก เราก็พบว่า สคริปต์ไม่มีอะไรมากที่จะเพิ่มให้กับความประทับใจแรกนั้น เช่นเดียวกับงานอื่นๆ ในสายเลือดนี้ เช่น “Mississippi Grind” และ “Roger Dodger” และเอาต์พุตตามสคริปต์ของพี่น้องตระกูล Safdie “Red Rocket” ลอกหัวหอมที่เหม็นหืน คำตอบของคำถาม “ชั้นต่อไปจะเปิดเผยอะไร” เหมือนเดิมเสมอ: มีน้ำเมือกมากขึ้น
ถึงกระนั้น ส่วนเปิดและปิดของ “Red Rocket” เป็นอุปกรณ์ประกอบฉากตลกสีดำที่ปรับแต่งมาอย่างสมบูรณ์แบบ ซึ่งการดูพวกมันแบบไม่หมุนเป็นประสบการณ์ที่ชวนให้เวียนหัวพอๆ กับการนั่งรถไฟเหาะตีลังกาที่ Mikey และ Strawberry เล่นในสวนสนุก

และถึงแม้จะพลาดพลั้ง นี่เป็นภาพยนตร์ที่กำกับดีที่สุดของเบเกอร์ ซึ่งได้รับการตัดสินอย่างหมดจดในแง่ของความประหยัดที่เขาจัดเตรียมและจ่ายตามหลักไมล์ของเรื่องราว มักจะเข้าและออกจากฉากด้วยการออกแบบท่าเต้นที่หรูหราสองหรือสามอย่างแต่ไม่โอ้อวด นัด เฟรมที่กว้างและแคบสร้างความรู้สึกยิ่งใหญ่ ทางหลวงที่ไร้ลักษณะและทุ่งหญ้าที่ราบเรียบและโรงกลั่นน้ำมันที่พ่นไฟจะถูกเปิดเผยหากมีสิ่งที่กล้าหาญเกิดขึ้นที่นั่น ซึ่งทำให้การแสดงของ Mikey พังทลายและเพิ่มความสนุกเป็นสองเท่า

นักแสดง (ซึ่งประกอบด้วยมืออาชีพสองสามคนและผู้ที่มาเล่นครั้งแรกที่น่ารักหลายคน) ได้พบปะกับสถานที่ในโลกแห่งความเป็นจริงซึ่งสอดคล้องกับแผนการณ์ การไขว่คว้า และความเร่งรีบของ Mikey ท่ามกลางความเสื่อมทรามของอเมริกา ไมกี้ร่อนเร่ไปตามรางน้ำของประเทศที่คนเพียงไม่กี่คนมีทรัพย์สินมากกว่าที่ใครๆ ต้องการนับล้านเท่า และทุกคนก็ถูกเลิกจ้างหรือถูกวินิจฉัยว่าไร้ที่อยู่อาศัยเพียงครั้งเดียว จากจุดได้เปรียบนั้น คุณจะเห็นได้ว่าเหตุใดมิกี้จึงเต็มใจที่จะคว้าทุกช่วงเวลาแห่งความสุขและชัยชนะที่หายวับไปอย่างรวดเร็ว ไม่ว่าเขาจะทำได้

ผู้กำกับภาพ ดรูว์ แดเนียลส์ (“เวฟส์”) ถ่ายทำการผลิตทั้งหมดด้วยฟิล์ม 16 มม. ในภาพสีครีม/เนื้อหยาบที่เชื่อมโยงกับหนังลูกครึ่งที่มีเสน่ห์ดึงดูดใจในยุค 70 ที่เบเกอร์และบริษัทได้ศึกษามาอย่างชัดแจ้งราวกับพระคัมภีร์ หากคุณข้ามโจ บัคจาก “มิดไนท์คาวบอย” และตัวละครที่เป็นชื่อเรื่องของ “ฮัด” แบบตะวันตกสมัยใหม่—ทั้งประมวลผล เมื่อมันเกิดขึ้น—และจากนั้นก็ทุบหัวเขาสองสามครั้งด้วยค้อนการ์ตูนขนาดใหญ่ คุณอาจจะจบลงด้วยไมกี้ ซึ่งสูงหกฟุตแล้ว ส่วนกายวิภาคของเขาแบบใช้ผู้ป่วยนอกขนาด 2 นิ้วที่เขาเคยหาเลี้ยงชีพ และนั่นใช้ไม่ได้ผลอีกต่อไป เว้นแต่เขาจะสูบฉีดยาเข้าไปเต็มไปหมด

หายนะที่กระตุ้นให้เกิดความเชื่อมโยงของโดมิโนองก์ที่สามของการปรากฎตัวของ Mikey เป็นหนึ่งในกรณีที่จักรวาลใช้คำอุปมาเรื่องชีวิตของพวกเขา แต่พวกเขาขาดการตระหนักรู้ในตนเองมากจนไม่เข้าใจ ข้อความ. เขาเป็นเหมือนนักฆ่าฟิล์มนัวร์ที่กำลังจะตายที่เชิงป้ายถนนที่เขียนว่า “เดดเอนด์” และพูดด้วยลมหายใจสุดท้ายของเขาว่า “ฉันไม่รู้มาก่อนว่านี่เป็นตรอกตัน”

ถ้ารางวัลออสการ์สาขานักแสดงสมทบชายยอดเยี่ยมสามารถไปหาสัตว์ได้ บูลด็อกตาแหลมของ Lexi น่าจะเป็นคู่แข่งกัน บางครั้งเมื่อภาพยนตร์เรื่องนี้สร้างเสียงหัวเราะให้ท้องไส้ปั่นป่วนจากความทุกข์ระทมของฮีโร่ของเขา และคุณคิดว่ามันไม่สามารถทำอะไรให้สูงขึ้นได้ มันก็ตัดไปที่สุนัขที่กำลังจ้องมองมาที่ Mikey ราวกับว่ามันรู้จักผู้ชายคนนั้นดีกว่าที่เขารู้จักตัวเองเสียอีก

Categories
รีวิวหนัง

Movie Review: 8-Bit Christmas

ปีหน้านี้ เราควรจะมีความคิดที่ดีขึ้นมากเกี่ยวกับ NCU—Nintendo Cinematic Universe หากคุณเป็นแฟนตัวยงของวิดีโอเกมหรือข่าวการคัดเลือกนักแสดงที่แปลกประหลาด คุณอาจเคยได้ยินเกี่ยวกับ “Super Mario Bros” ที่กำลังจะมีขึ้น นำแสดงโดย Chris Pratt ในบท Mario และร่วมแสดงโดย Seth Rogen ในบท Donkey Kong ส่วนหนึ่งของกระแสวัฒนธรรมของ Nintendo คือ “8-Bit Christmas” ของ Michael Dowse นักฆ่าเวลาคริสต์มาสที่ไร้เดียงสาแต่น่าเบื่อหน่าย ซึ่งทั้งหมดเกี่ยวกับการอยากได้คอนโซล Nintendo NES นั่นเป็นหนึ่งในรายละเอียดที่ตระหนักได้เพียงครึ่งเดียวในการจัดวางผลิตภัณฑ์ที่มีอารมณ์อ่อนไหว ซึ่งจากนั้นก็ลดพลังงานบางอย่างของจอห์น ฮิวจ์ส อย่างอ่อน โดยส่วนใหญ่มีการอ้างอิงถึงวัฒนธรรมอิลลินอยส์โดยไม่ได้ตั้งใจ และคะแนนจากโจเซฟ ตราปานีสที่ดูเหมือนจะเตรียมเจาะลึกลงไปใน “” ของจอห์น วิลเลียมส์ ” ที่ไหนสักแห่งในความทรงจำของฉัน”

เขียนโดย Kevin Jakubowski (ดัดแปลงจากหนังสือของเขา) “8-Bit Christmas” เล่าว่าการครอบครองของชายคนหนึ่งเป็นความฝันอันยากลำบากของลูกในตัวเขาอย่างไร นีล แพทริค แฮร์ริสปรากฏตัวในตอนต้นของภาพยนตร์ที่แสดงให้ลูกสาวของเขาเห็นคอนโซลที่เขาได้รับเมื่อตอนที่เขายังเป็นเด็ก แต่ได้รับมาภายใต้สถานการณ์ลึกลับ จากนั้นแฮร์ริสก็เปลี่ยนจากพ่อที่พร้อมจะเล่นซิทคอมมาเป็นเสียงที่น่าสงสัยในขณะที่เขาเล่าเรื่องราวของฤดูหนาวปี 88 เมื่อเขาและเพื่อนๆ ร่วมมือกันเพื่อซื้อ Nintendo เจค (ตอนนี้เล่นโดยวินสโลว์ เฟกลีย์) ติดตามลีดที่แตกต่างกันเพื่อพยายามหานินเทนโดเป็นของตัวเอง โดยสร้างหลักฐานที่น่ารักพร้อมเด็กๆ ที่น่ารักที่ไม่ได้รับการรักษาแบบการ์ตูนตามต้องการ บางคนมีบุคลิกที่โดดเด่นกว่าคนอื่นๆ เช่น ชาวนา (แม็กซ์ มาลาส) คนโกหกที่น่าอับอายที่สามารถใช้วิธีการอันชาญฉลาดของเขาเพื่อพัฒนาแผนการของพวกเขา (เป็นเรื่องตลกที่เขาขึ้นชื่อในเรื่องคำโกหกที่ไร้สาระและดูเหมือนไม่รู้เลย เขาทำมัน) ส่วนหนึ่งของความพยายามของ Jake ที่จะได้ Nintendo คือการพยายามสร้างเสน่ห์ให้พ่อแม่ของเขา (แสดงโดย Steve Zahn และ June Diane Raphael ด้วยการแสดงเล็กๆ น้อยๆ แต่จริงใจ) ซึ่งเตือนเขาว่าระบบมีราคาแพงแค่ไหน และเขยิบเขาไปยังสิ่งที่สำคัญกว่าที่จะมุ่งเน้น บน.

“คริสต์มาส 8 บิต” ไม่ได้มีไว้สำหรับผู้เล่นดั้งเดิมของ Nintendo แม้ว่าจะมีองค์ประกอบที่คุ้นเคยมากมายเช่นคนพาลที่ชั่วร้าย ลูกเสือ และการ์ดเบสบอล และความตลกขบขันที่เชื่อเรื่องอ้วกและคนเซ่อทำให้รู้สึกว่าหนังย้อนหลังเรื่องนี้เหมาะสำหรับเด็ก ๆ ที่อาจให้อภัยกับซีเควนซ์มากมายที่สร้างเรื่องตลก ๆ แล้วปล่อยให้พวกเขาล้มลง ภารกิจของเจคในการได้ Nintendo นั้นเกี่ยวข้องกับกลยุทธ์ที่แตกต่างกัน (เช่น การขายพวงหรีดแบบตัวต่อตัว หรือพยายามสร้างเสน่ห์ให้ผู้คนในบ้านพักคนชรา) แต่เรื่องตลกที่เห็นได้ชัดเจนนั้นกลับไม่ค่อยมีอะไรเกิดขึ้น เป็นเรื่องที่โจ่งแจ้งมากขึ้นเรื่อย ๆ ที่สคริปต์ถูกสร้างขึ้นตามความต้องการของ Nintendo โดยไม่มีความตลกขบขันที่จะทำให้ภาพยนตร์เรื่องนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว

แน่นอนว่าความคิดถึงของ Nintendo นั้นเข้มข้นมาก และมันเกินกว่าคอนโซลที่เป็นเพียงแค่จอกศักดิ์สิทธิ์ที่สามารถเติมเรื่องราวเกี่ยวกับเด็กหนุ่มที่เรียนรู้ความหมายที่แท้จริงของวันหยุด ในตอนแรกมันเป็นการตระหนักรู้ในตนเอง เหมือนกับว่ามีซีเควนซ์ทั้งหมดที่ล้อเลียน Power Glove ที่น่าอับอายและมีข้อบกพร่องอย่างหนัก ในขณะที่ยังสังเกตเห็นว่าเป็นเพียงสิ่งที่เด็กรวยที่เห็นแก่ตัวในเมืองของคุณเท่านั้นที่จะมี จากนั้นหนังก็ค่อนข้างแปลก เนื่องจากภารกิจของ Jake ให้ความรู้สึกเหมือนเป็นข้อความที่อ่อนเกิน เต็มไปด้วยรูปแบบต่างๆ ของวลี “ฉันต้องการ Nintendo” แล้วมันก็น่าขนลุกอย่างโจ่งแจ้งเมื่อเจคพบกับร้านค้า Nintendo ที่พูดได้ มันสะกดจิตให้เขาเล่นเกมที่มี (เจคจบลงด้วยการเล่น “Rampage” ในช่วงเวลาการเล่นเกมไม่กี่แห่งของภาพยนตร์) จากนั้นคอนโซลเกมที่น่าขนลุกเรียกเขาว่า “เด็กดี” มันควรจะเป็นฉากที่โง่เขลา มันดูคล้ายกับอันตรายของคนแปลกหน้ามากขึ้น

เรื่องราวคริสต์มาสที่ขาดหายไปอย่างมากคือความเชื่อมโยงทางอารมณ์ทุกประเภท นอกเหนือไปจากความผิดหวังอย่างต่อเนื่องของเจคเมื่อแผนครั้งแล้วครั้งเล่าเกิดผลเสียอีก ห้านาทีสุดท้ายของหนังพยายามแก้ไขช่องว่างนี้—และให้การรับรองอย่างใหญ่หลวงต่อความสนุกที่เกิดขึ้นนอกจอ—แต่ก็สายเกินไป แม้จะมาพร้อมกับคำตอบที่สร้างสรรค์ว่าเจคได้ Nintendo มาอย่างไร นอกจากนี้ยังมีการแต่งหน้าที่โชคร้ายที่ทำให้ตัวละครตัวหนึ่งดูเหมือนผีถูกจับเป็นตัวประกันแทนที่จะเป็นเวอร์ชั่นเก่าของตัวเอง และมันก็ยากที่จะรู้สึกถึงความอบอุ่นเมื่อคุณแค่อยากจะหัวเราะ “คริสต์มาสแบบ 8 บิต” อาจมีแนวทางพื้นฐานสำหรับวัฒนธรรมเกมเมอร์มากกว่าที่คุณคาดคิด แต่กลับเอาชนะได้ด้วยจินตนาการที่จำกัดของมันเอง

อะไรทำให้หนังคริสต์มาสยอดเยี่ยม บางสิ่งที่ให้ข้อคิดทางวิญญาณ บางสิ่งที่อบอุ่นใจ บางอย่าง “ตายยาก” ที่มีความรุนแรงและความตายมากมาย สองรายการใหม่ในดาร์บี้วันหยุดยิงประตูของพวกเขาที่ชื่อ (แต่ไม่มีความรุนแรงมาก) และหนึ่งกลายเป็นคู่แข่ง คือ มันเป็นตำนานซานตาคลอสใหม่ … หรือเรื่องราวของเด็กยุค 80 ที่พยายามทำคะแนนระบบวิดีโอเกม?

“A Boy Called Christmas” ที่ยุ่งเหยิงอย่างน่าทึ่งมีส่วนประกอบแบบดั้งเดิมมากมาย: คะแนน “Wonder of the Season”, ชุดหนังสือนิทาน, ผู้บรรยายรัฐบุรุษอาวุโส (แม็กกี้ สมิธ), ครอบครัวที่ดี, วิชวลเอฟเฟกต์ B ถึง B+ ข้อความของมันผสมกันเหมือนไข่เจียวของป้าฟรีดา ซึ่งผู้ใหญ่สะดุ้งขณะดื่มก่อนที่จะพูดเรื่องไร้สาระ

มีเด็กชายคนหนึ่งชื่อนิโคลัส (เฮนรี่ ลอว์ฟูล) เมื่อนานมาแล้ว อะไรนะ ฟินแลนด์? และพ่อช่างไม้ที่หล่อเหลาของเขา (มิเชล ฮุยส์มัน) แม่ตายแล้วโดยธรรมชาติ ผู้คนต่างหดหู่ในอาณาจักรที่ยากจน ราชา (จิม บรอดเบนท์) เล่าเรื่องราวของเขาว่าเขารู้ว่ามีบางอย่างขาดหายไปในอารมณ์ขันแบบเจ้าเล่ห์ ชาวนาที่สกปรกพูดว่า “ระบบการรักษาพยาบาล?” “ค่าครองชีพ?” “ระบบธรรมาภิบาลที่ยุติธรรม?”

กลับกลายเป็นว่า “ความหวัง” ตามพระราชา และชาวบ้านที่ฉกรรจ์มองหามัน Kristen Wiig ปรากฏตัวเป็นป้าที่ชั่วร้ายที่ถูกทารุณกรรมเด็กอย่างน่ากลัว และเด็กชายกับหนูของเขา (เปล่งออกมาโดย Stephen Merchant ฉันรู้ดีว่านักแสดงเป็นอย่างไร) เดินทางตามปกติของฮีโร่ผ่านป่าเพื่อค้นหาสิ่งที่จะ บันทึกบ้านของเขา เขาค้นพบเมืองของเหล่าเอลฟ์ ที่ซึ่งโทบี้ โจนส์ และแซลลี่ ฮอว์กินส์ ได้พิสูจน์ให้เห็นว่ามีนักแสดงชื่อดังมากมายในทีม และการเชื่อในบางสิ่งจริงๆ เท่านั้นที่จะทำให้คุณมองเห็นได้

โอ้ นี่เป็นเรื่องราวที่มาของซานต้าจริงๆ อย่างที่คุณอาจเดาได้ในตอนนี้ จะมีกวางเรนเดียร์ หมวกสีแดง และของขวัญมากมาย ฟังดูเจ๋ง แต่มีบางอย่างที่ค่อนข้างเลอะเทอะเกิดขึ้นซึ่งจะทำให้ผู้ชมทำเสียงเย้ยหยันว่า “อะไรนะ” ใบหน้า โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อตัวละครตัวหนึ่งตายแทนที่จะกระโดดขึ้นสู่ความปลอดภัย

ข้อความของภาพยนตร์เรื่องนี้คือ “What in the?” … คำพังเพยที่พยายามอย่างหนึ่ง – “สิ่งเดียวที่ง่ายและชัดเจนคือความจริง” – เป็นเท็จอย่างไม่มีอคติ (ความจริงที่ซับซ้อนต้องใช้การคิดที่ซับซ้อนและเหมาะสมยิ่ง) มีจุดมุ่งหมายเพื่อเด็ก ๆ อย่างตรงไปตรงมา แต่มีความเห็นเกี่ยวกับนักการเมืองผู้โดดเดี่ยวที่หวาดกลัวและเตือนไม่ให้ผสมกับบุคคลภายนอกที่เสี่ยงต่อการสูญเสีย “บ้านของเรา วัฒนธรรมของเรา” ทว่าวิธีแก้ปัญหาของเมืองนี้ก็คือของเล่น ส่วนผู้ลักพาตัวและผู้รังแกเด็กในภาพยนตร์ก็คือพวกเขาได้รับช็อคโกแลตและลูก ๆ ของพวกเขาได้รับของขวัญ ดูเหมือนจะไม่ถูกต้อง

สมมติว่าทั้งหมดนี้สามารถอ่านได้ว่า “คริสต์มาสเป็นยาเสพติดของมวลชน” ท้ายที่สุดแล้ว ชาวเมืองที่สกปรกไม่ได้รับ “ค่าครองชีพ” หรือ “ธรรมาภิบาล” แต่เป็นของกระจุกกระจิกที่มีสีสัน … และพวกเขาทั้งหมดคงอยู่อย่างมีความสุขตลอดไป อย่างไรก็ตาม มันถูกประกอบอย่างสวยงาม (ขอชื่นชมทีมออกแบบการผลิตของ Gary Williamson)

“8-Bit Christmas” คือการเดินทางย้อนอดีตสู่ช่วงปลายทศวรรษที่ 80 บนถนนชานเมืองอิลลินอยส์ “8-Bit” ของชื่อนี้คือคอนโซลวิดีโอเกมที่ล้ำสมัย นั่นคือ Nintendo Home Entertainment System ซึ่งเป็นรางวัลสูงสุดสำหรับการแข่งขันระดับห้าของเรื่องราว ภาพยนตร์เรื่องนี้เต็มไปด้วยรายละเอียดที่ให้ความรู้สึกเหมือนจริง (ทำเครื่องหมายเวลาโดยจุดตายตัวของการแข่งขัน Super Bowl ของ Bears และพ่อก็เย้ยหยันที่ลูกชายของเขาบ่นเรื่องความหนาวเย็น: “มันไม่ต่ำกว่าศูนย์ด้วยซ้ำ!”) และเรียกเสียงหัวเราะจากผู้มีชื่อเสียงที่น่าอับอาย การ์ดเบสบอลและระบบทศนิยมดิวอี้ มันยังได้รับตอนจบที่บีบหัวใจ ในระยะสั้นเป็นคู่แข่งที่น่าประหลาดใจสำหรับภาพยนตร์คริสต์มาสยอดเยี่ยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

ฉากนี้ทำให้เจค ดอยล์ (นีล แพทริค แฮร์ริส เฉียบแหลมเหมือนเคย) ทำให้แอนนี่ (โซเฟีย รีด-แกนเซิร์ต) ลูกสาวของเขาขบขันขณะที่พวกเขารอครอบครัวที่เหลือในบ้านที่เจคเติบโตขึ้นมา แอนนี่เสียใจที่พ่อไม่ให้โทรศัพท์กับเธอในวันคริสต์มาส เจคนั่งคุยกับนินเทนโดที่ยังใช้งานได้ตั้งแต่ยังเด็ก และเล่าเรื่องราวอันยิ่งใหญ่ว่าเขาได้มันมาได้อย่างไร จากที่นั่น ส่วนใหญ่เป็น Young Jake (Winslow Fegley) และเพื่อนๆ ที่มีแผนการมากมายที่จะบรรลุจอกศักดิ์สิทธิ์ของ “Metroid” และ “Donkey Kong”

Categories
Uncategorized รีวิวหนัง

Movie Review: Bad Luck Banging or Loony Porn

ไม่ทราบล่วงหน้าว่า “Bad Luck Banging หรือ Loony Porn” เริ่มต้นด้วยภาพลามกอนาจารเพียงไม่กี่นาที ฉันทำผิดพลาดที่เริ่มเรื่องในโทรทัศน์ขนาดใหญ่ในบ้านที่มีวัยรุ่นอยู่ ไม่แนะนำให้ทำเช่นนี้ เนื่องจากอาจทำให้ได้ฉากที่คล้ายกับเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในบ้านของฉันเอง โดยที่คุณพยายามดิ้นรนเพื่อค้นหารีโมทคอนโทรลเพื่อลดระดับเสียงแล้วปิดภาพโดยสิ้นเชิง “มันคือศิลปะ!” ฉันตะโกนบอกคนในบ้านที่เหลือ ซึ่งโชคดีที่ชาวเมืองต่างจดจ่ออยู่ที่อีกชั้นหนึ่ง “ศิลปะ!”

ปรากฎว่านี่เป็นฉากที่อาจปรากฏในภาพยนตร์เรื่องนี้โดยผู้กำกับชาวโรมาเนีย Radu Jude ซึ่งได้รับรางวัล Golden Bear ในเทศกาลภาพยนตร์เบอร์ลิน ตัวละครหลักคือ Emi Cilibiu (Katia Pascariu) ครูระดับมัธยมศึกษาที่ทำวิดีโอโป๊ที่บ้านกับสามีของเธอเพียงเพื่อให้มันหนีไปอินเทอร์เน็ต (เช่นวิดีโอดังกล่าวมักจะทำ)

สถานการณ์ไม่ชัดเจนนัก—ฉันคิดว่าสามีอัปโหลดวิดีโอไปยังเซิร์ฟเวอร์ส่วนตัว และบุคคลที่สามที่ไม่รู้จักดาวน์โหลดมาและวางไว้ในที่ที่คนทั่วไปมองเห็น—แต่เพื่อจุดประสงค์ในการเล่าเรื่อง ไม่ใช่เรื่องสำคัญ เพราะในขณะที่หนังกังวลว่า Emi จะสูญเสียงานสอนของเธอในวิดีโอหรือไม่ (ทั้งเรื่องเกิดขึ้นก่อนการสอบสวนของเธอ) ทั้งหมดเป็นเพียงหนทางสู่จุดจบ: แสดงให้เห็นถึงความขัดแย้งและความหน้าซื่อใจคดของสังคมโรมาเนีย

Jude ทำงานนั้นด้วยจิตวิญญาณของผู้สร้างภาพยนตร์อย่าง Robert Altman หรือ Richard Linklater ซึ่งมักเรียกกันว่า “การเล่าเรื่องเกี่ยวกับเครือข่าย” (คำที่คิดค้นโดย David Bordwell นักวิชาการด้านภาพยนตร์ผู้ยิ่งใหญ่) ที่หลีกเลี่ยงเทคนิคการเล่าเรื่องแบบเดิมๆ การแฮงเอาท์ ติดตามตัวละครหรือตัวละครจากที่หนึ่งไปยังอีกที่หนึ่ง ดูสิ่งที่เกิดขึ้นระหว่างการเดินทางหรือที่ปลายทาง จากนั้นหยิบตัวละครเหล่านั้นหรือคนอื่นๆ และติดตามพวกเขาไปยังตำแหน่งถัดไป

อัลท์แมนเก่งเป็นพิเศษในการเลือกอุปกรณ์เล่าเรื่องที่จะนำผู้ดูไปยังจุดสนใจถัดไป เช่น รถบรรทุกเสียงเร่ร่อนใน “แนชวิลล์” หรือฝูงบินเฮลิคอปเตอร์ที่ฉีดพ่นลอสแองเจลิสเพื่อฆ่าแมลงผสมเกสรใน “ช็อตคัท” สิ่งเทียบเท่าที่นี่คือ Emi เอง ภาพยนตร์เรื่องนี้ส่วนใหญ่ประกอบด้วยช็อตของนางเอก แต่งกายด้วยชุดที่เธอเลือกสำหรับการพิจารณาคดี เดินไปรอบ ๆ บูคาเรสต์ด้วยการเดินเท้า ไปตลาด แล้วก็เยี่ยมความเห็นอกเห็นใจ แต่เป็นห่วงสมาชิกในครอบครัว และในที่สุดก็จบลงที่การพิจารณาคดี ซึ่งก็คือ เว้นระยะห่างทางสังคมอย่างเหมาะสม เนื่องจากภาพยนตร์เรื่องนี้ถ่ายทำในสถานที่จริงในช่วงที่มีการระบาดของโควิด-19 สูงสุด ระหว่างทางมีการเผชิญหน้าที่ขับกล่อมความเย่อหยิ่ง สิทธิและความเกลียดชังผู้หญิงของผู้ชายในสังคมนี้ เอมิเผชิญหน้ากับคนขับรถซึ่งยานพาหนะของเขาจอดรถไว้บนทางเท้าอย่างผิดกฎหมาย และหลีกเลี่ยงชายสูงวัยที่ต้องการจะมอบดอกกุหลาบให้เธอและพูดคุยเล็กน้อย

ไม่ชัดเจนว่าคนหลังเข้าหาเธอเพราะเขาจำเธอได้จากวิดีโอหรือเพราะนั่นเป็นสิ่งที่ชายสูงอายุที่ไม่รู้เรื่องบางครั้งทำ และความกำกวมนี้ก็ไม่สำคัญเท่ากับบรรยากาศโดยรวมของภาพยนตร์ซึ่งให้ความรู้สึกเหมือนมีชีวิตอย่างอธิบายไม่ถูก รอบตัวเราล้วนเป็นคนที่เคยเห็นและในบางกรณีกำลังดูสื่อลามกอย่างแข็งขัน และสื่อลามกนั้นได้มาจากกระแสในวัฒนธรรมที่ผู้สร้างภาพยนตร์เอ้อ เปิดเผย โดยการดูตัวละครหลักของเขาทำธุรกิจประจำวันธรรมดาๆ ของเธอ

ผู้คนเกือบทั้งหมดที่ Emi โต้ตอบด้วยนั้นไม่สนใจถึงผลกระทบที่วิดีโอมีต่อชื่อเสียงและสถานะทางอาชีพของเธอ เป็นไปได้ว่าผู้ที่รู้เรื่องนี้จะไม่คิดว่าเธอเป็นคนที่มีอัตลักษณ์และสามารถใช้ความยินยอมได้ (ซึ่งในกรณีนี้ละเลย) แต่เป็นร่างกายที่วางอยู่บนหน้าจอเพื่อความสุขจากการแอบดู (หนังจะมีประสิทธิภาพได้ขนาดนี้ถ้าไม่ให้เราดูวีดิทัศน์หรือไม่ ผมตัดสินใจไม่ได้)

ภาพยนตร์เรื่องนี้รู้สึกกระจัดกระจายและคดเคี้ยว ไม่ใช่ในลักษณะที่ทำให้ร่างกายทรุดโทรม: ไม่มีจุดมุ่งหมาย บางครั้งกล้องจะตามเอมิแล้วเบี่ยงตัวหนีจากเธอเพื่อจับภาพอีกธุรกิจหนึ่งที่เกี่ยวข้องกับคนอื่น เช่น ผู้หญิงที่มองตรงเข้าไปในกล้องและชวนคนดูไปกินข้าวนอกบ้าน (นี่สคริปต์หรือแค่เหตุการณ์ที่ เกิดขึ้นขณะถ่ายทำในที่สาธารณะ?) หรือคนเดินถนนที่เห็นคนขี่รถที่เกือบวิ่งข้ามทางม้าลายและเรียกร้องให้เขาทำงานให้เสร็จ

นอกจากนี้ยังมีหลายครั้งที่กล้องเคลื่อนออกจากระดับพื้นดินทั้งหมดและเดินด้อม ๆ มองๆ ไปที่หน้าร้านหรืออาคารอพาร์ตเมนต์เพื่อแสดงให้เราเห็นสถาปัตยกรรม นี่อาจเป็นความคิดเห็นเกี่ยวกับการไม่เปิดเผยตัวตนของชีวิตในเมืองใหญ่ หรืออาจเป็นเพราะเจ้าหน้าที่กล้องชอบแสดงให้เราเห็นสถาปัตยกรรม

นี่คือภาพยนตร์ที่มีสไตล์แหวกแนวที่อาจดูไม่ดีถ้าคุณไม่คุ้นเคยกับมัน หรือหากคุณกังวลมากเกินไปว่าทุกช่วงเวลาบนหน้าจอจะตอกย้ำประเด็นเชิงวาทศิลป์ที่คุณคิดว่าภาพยนตร์เรื่องนี้สร้างขึ้น ดูเหมือนว่าจะเป็นภาพยนตร์เกี่ยวกับการค้นพบมากกว่าคำพูด โดยกล้องจะติดตามผู้คนแล้วละทิ้งพวกเขาเพื่อค้นหาข้อมูลเชิงลึกที่อื่น โดยการมองเข้าไปในสิ่งต่าง ๆ แทนที่จะเพียงแค่มองพวกเขา

Categories
รีวิวหนัง

Movie Review: I WAS A SIMPLE MAN

I Was A Simple Man เป็นเรื่องราวผิดปกติที่เกิดขึ้นในเขตชนบททางเหนือของ O’ahu ใน Hawai’i เปิดเผยในสี่บทเป็นเรื่องราวของชายชราคนหนึ่งที่ต้องเผชิญกับจุดจบของชีวิตซึ่งผีในอดีตของเขามาเยือน I Was a Simple Man ผสมผสานประวัติศาสตร์ครอบครัวและตำนาน ตรรกะในความฝัน และสถิตยศาสตร์ I Was a Simple Man เป็นเรื่องราวลานตาของครอบครัวที่แตกหักซึ่งต้องเผชิญกับความตายของปรมาจารย์ของพวกเขา ซึ่งจะนำเราจากตึกสูงของโฮโนลูลูร่วมสมัยไปจนถึงก่อนสงครามโลกครั้งที่สอง ศิษยาภิบาลของ O’ahu และในที่สุด ไปไกลกว่านั้น

เรื่องราวชายผู้ล่องหนบางส่วน ชิ้นส่วนความทรงจำ “I Was a Simple Man” สร้างภาพยนตร์ที่พิถีพิถันทางกายภาพและเลื่อนลอยอย่างดุเดือด สถาบัน Sundance เอื้อเฟื้อภาพ

ใน Profile of Constance Wu ของ Jiayang Fan ใน The New Yorker ตั้งแต่ปี 2019 นักแสดงสาวได้ทำงานในภาพยนตร์เรื่อง “I Was a Simple Man” กำกับโดยคริสโตเฟอร์ มาโกโตะ โยกิ ซึ่งมีผลงานเรื่องแรก “August at Akiko’s” ซึ่งฉายรอบปฐมทัศน์ที่แมริแลนด์ เทศกาลภาพยนตร์ในปี 2018 เป็นหนึ่งในขุมทรัพย์ล่าสุดของการสร้างภาพยนตร์อิสระของอเมริกา เช่นเดียวกับภาพยนตร์เรื่องก่อนๆ เรื่อง “I Was a Simple Man” มีฉากที่ฮาวาย และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในชุมชนชาวญี่ปุ่นที่นั่น ซึ่งโยคีได้รับการเลี้ยงดูมา และในดินแดนแห่งความงดงามทางธรรมชาติที่ส่วนใหญ่ถูกทำลายโดยความเป็นเมืองและการท่องเที่ยว เช่นเดียวกับที่กลุ่มชาติพันธุ์ที่ซับซ้อน โพลีโฟนิก และหลายภาษาของภูมิภาคได้รับการเคลือบภายใต้อัตลักษณ์ของชาวอเมริกันที่พูดภาษาอังกฤษ “I Was a Simple Man” คล้ายกับภาพยนตร์ที่ใกล้ชิดและสว่างไสวทางวิญญาณ แต่เป็นภาพยนตร์ที่มีทั้งจินตนาการและการแสดงในระดับที่ยิ่งใหญ่กว่า มันซึมซาบลึกซึ้งยิ่งขึ้น และถูกตามหลอกหลอน ตามประวัติศาสตร์ การวินิจฉัยในวงกว้างมากขึ้นของการคลี่คลายเมื่อเร็ว ๆ นี้ ชัดเจนมากขึ้นเกี่ยวกับเรื่องของความเป็นและความตาย และเกี่ยวกับสิ่งที่ผูกมัดพวกเขาไว้ด้วยกัน เหนือสิ่งอื่นใด โยคีประดิษฐ์อุปกรณ์ภาพยนตร์ที่เป็นต้นฉบับและสร้างสรรค์อย่างน่าพิศวงอย่างกล้าหาญเพื่อเป็นตัวอย่างในโทนที่สุภาพซึ่งเป็นวิสัยทัศน์อันยิ่งใหญ่ของเขา

การเกี้ยวพาราสีของ Young Masao ที่มีต่อ Grace ซึ่งเป็นศิลปิน เกิดขึ้นจากความตึงเครียดทางชาติพันธุ์ ครอบครัวเอมิเกรชาวญี่ปุ่นของเขาไม่ต้องการเกี่ยวข้องกับครอบครัวของเธอซึ่งมีเชื้อสายจีน ความขัดแย้งในครอบครัวที่เกิดขึ้นท่ามกลางความหายนะของสงครามโลกครั้งที่สองพิสูจน์ความหายนะ การเสียชีวิตก่อนวัยอันควรของเกรซเกิดขึ้นในวันที่รัฐฮาวายเป็นรัฐในปี 2502 มาซาโอะใช้ชีวิตอยู่ในสภาวะเสมือนถูกระงับแอนิเมชั่นตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ความเกียจคร้านมึนเมาและความเศร้าโศกอย่างไม่ลดละ การกลับมาอย่างน่ากลัวของเกรซ ในอาการป่วยครั้งสุดท้ายของมาซาโอะ เกิดขึ้นพร้อมกับการกลับชาติมาเกิดของตัวตนวัยรุ่นของทั้งคู่ ทำให้กรอบโคลงสั้น ๆ ของภาพยนตร์กลับกลายเป็น แทนที่จะปลุกคนตายให้ฟื้นคืนชีพ การหลอกหลอนมาซาโอะกลับหลอมรวมเปลือกแห่งชีวิตของเขาด้วยอาณาจักรแห่งความตายที่มีชีวิตชีวา มีชีวิตชีวา เต็มไปด้วยอารมณ์ และเต็มไปด้วยพลัง ซึ่งสำหรับเขาแล้ว มีชีวิตมากกว่าคนเป็น

โยคีร่วมงานกับผู้กำกับภาพ อึนซู โช ถ่ายทำภาพยนตร์ในอดีตและปัจจุบันของมาซาโอด้วยสายตาที่เฉียบแหลมสูงส่งซึ่งพลิกกลับแนวคิดเรื่องความนิ่งและการกระทำ นักแสดงที่เคลื่อนไหวมีการเคลื่อนไหวที่ช้าลงและใกล้ท่าเต้นราวกับอยู่ในความมืด ท่ามกลางความปั่นป่วนที่เกิดขึ้นในองค์ประกอบภาพนิ่ง ศาลเจ้าที่มีแสงเทียนริบหรี่ ภูมิทัศน์ที่มีใบไม้ปลิวไปตามสายลม ใบไม้ที่สั่นไหวตามแสงจันทร์บนพื้นผิวของภาพวาดนามธรรมชิ้นหนึ่งของเกรซ บ่งบอกถึงจักรวาลอันเป็นแอนิเมชั่นแห่งไดนามิก ความลึกลับที่ห่อหุ้มและไถ่วิญญาณที่ติดอยู่ในความทุกข์ทรมาน ทว่าวิสัยทัศน์อันสูงส่งเหล่านี้ไม่ได้จำกัดอยู่แค่การปฏิบัติได้จริง รวมถึงการไปพบแพทย์ของ Masao วัยหนุ่มที่ปั่นป่วน ความสัมพันธ์ในครอบครัว ความรักที่เร่าร้อนของเขากับ Grace รายละเอียดเฉพาะของไดอารี่ของเธอ (ซึ่ง Masao ไม่เคยแยกจากกัน) และแม้กระทั่งการผจญภัยบนสเก็ตบอร์ดของหลานชาย การผสมผสานระหว่างอภิปรัชญาและการปฏิบัตินั้นเกี่ยวข้องกับเอฟเฟกต์พิเศษที่เขย่าขวัญอย่างละเอียดและการแสดงละครที่น่าเกรงขามอย่างสงบ นำเอารุ่นต่างๆ มารวมกันในความสูงส่งอันเงียบสงบซึ่งเป็นฉากที่กล้าหาญและบีบหัวใจที่สุดในโรงภาพยนตร์เมื่อเร็วๆ นี้

Sundance Review: ‘I Was A Simple Man’ ของคริสโตเฟอร์ มาโกโตะ โยกิ
Review By Todd McCarthy
ลักษณะการไตร่ตรองอย่างเข้มงวดซึ่งดึงดูดผู้ชมภาพยนตร์เรื่องแรกของคริสโตเฟอร์มาโกโตะโยกิในเดือนสิงหาคมที่ Akiko ในปี 2018 ยังคงเป็นลักษณะเด่นของภาพยนตร์เรื่องใหม่ของเขา I Was a Simple Man แก่นแท้ของเรื่องราวของชายชราคนหนึ่งในขณะที่เขาเต็มใจที่จะดำน้ำจากการเป็นความว่างเปล่า ภาพยนตร์เรื่องนี้ถูกกำหนดโดยวินัยและรูปแบบที่อาจเรียกได้ว่าเข้มงวดอย่างฟุ่มเฟือย นี่คือโรงภาพยนตร์เฉพาะทางที่ได้รับการขัดเกลาซึ่งจะได้รับการต้อนรับอย่างอบอุ่นจากสุนทรียศาสตร์

ภาพยนตร์เรื่องนี้ฉายรอบปฐมทัศน์ในวันศุกร์ในรายการการแข่งขัน US Dramatic Competition ของ Sundance Film Festival
โรงภาพยนตร์ของโยคีสร้างขึ้นจากแนวดนตรีที่หนักแน่น ส่วนใหญ่เป็นแบบนิ่งๆ และอารมณ์ที่ความงามอันเงียบสงบของสภาพแวดล้อมแบบฮาวายถูกลมพัดกระสับกระส่าย ดนตรีที่ยืนยง ความเป็นตะวันตกที่ไม่หยุดยั้ง และสัญญาณของการตายที่ทำให้ไม่สงบ การยอมรับอย่างสงบในสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้จะต่อสู้อย่างเงียบ ๆ ด้วยความกลัวที่ขมขื่นและวิญญาณแห่งศีลธรรมที่เพิ่มมากขึ้นเรื่อย ๆ เราทุกคนรู้ดีว่ามันจบลงอย่างไร แต่คุณสามารถกำหนดตัวเองด้วยวิธีการที่คุณขี่มันออกไป

โยคีงดเว้นจากการสะกดคำหลายๆ อย่าง ดังนั้นการเข้าสู่ภาพยนตร์จึงเป็นเรื่องของการแยกแยะสิ่งต่างๆ ด้วยตัวเอง คีย์ต่ำแทบจะไม่เริ่มอธิบายอายุการเล่าเรื่องที่น่าทึ่ง พื้นที่รอบ ๆ บ้านของเขาในโออาฮูตอนเหนือดูเหมือนจะไม่ถูกรบกวนจากการแบ่งพื้นที่ของรัฐ และในขั้นต้นมีความรู้สึกสงบที่คงอยู่ซึ่งทำให้ภาพและเสียงของภัยคุกคามต่อการดำรงอยู่อันเงียบสงบมีความเด่นชัดมากกว่าที่เคยเป็นมา

มาซาโอะ (สตีฟ อิวาโมโตะ) ชายหนุ่มรูปงามที่มีผมหางม้าและหนวดขาว เป็นคนพูดไม่กี่คำ ตอนนี้เขาทำงานบ้านให้น้อยที่สุดอย่างดีที่สุด เมื่อเขาไปรับลูกชาย พวกเขาก็พูดถึงแม่ผู้ล่วงลับไปแล้ว ซึ่งเสียชีวิตตั้งแต่ยังเด็ก และเมื่อครอบครัวมาฉลองวันเกิด พวกเขาก็อยู่ได้ทั้งวัน มันเป็นเหตุการณ์ที่ไม่มีเหตุการณ์อย่างทั่วถึง แต่ในขณะที่ไม่มีอะไรเกิดขึ้นโดยเฉพาะ อารมณ์ที่โดดเด่นนั้นเป็นลางไม่ดี พระจันทร์เต็มดวงมาพร้อมกับลมกระสับกระส่าย เสียงน้ำ และความไม่สบายใจทั่วไป ความรู้สึกที่ประกอบขึ้นด้วยท่าทางกังวลใจและกังวลของมาซาโอะ ลางร้ายในไม่ช้าก็กลายเป็นความชอบธรรมเมื่อแพทย์ยืนยันว่าชายคนนี้ป่วยหนักซึ่งทำให้เขาถอนตัวเกือบทั้งหมด

สมมติว่าเวทีกลางเป็น “การมาเยือน” โดยไม่มีใครแจ้งล่วงหน้าจากบุคคลสำคัญในอดีตของมาเซา ย้อนกลับไปได้ไกลถึงเยาวชนอันงดงามของชายผู้นี้ในสมัยก่อนเป็นรัฐ ความโหยหาที่หลั่งไหลไปสู่ความเศร้าโศกครอบงำศีรษะและหัวใจของชายผู้นี้ ขณะที่โยคีปล่อย Masao เข้าสู่ช่วงเวลาต่างๆ และความทรงจำในอดีตของเขากับภรรยา ซึ่งความตายตั้งแต่อายุยังน้อยทำให้ตัวเองห่างเหินจากลูกๆ ของเขาเช่นกัน

แม้ว่าโยคีจะเป็นผู้สร้างภาพยนตร์ที่เข้มงวดเกินกว่าจะดื่มด่ำกับสิ่งที่คล้ายกับความคิดถึงแบบเดิมๆ แต่เขาไม่สามารถยับยั้งตัวเองจากการสื่อถึงความรังเกียจโดยปริยายต่อการทำให้หมู่เกาะนี้กลายเป็นอเมริกาอย่างไม่หยุดยั้ง เมื่อภาพยนตร์เรื่องนี้ย้อนเวลากลับไปในอดีตของครอบครัวเมื่อหลายสิบปีก่อน มีเวลามากกว่าอดีตและสรวงสวรรค์ที่สูญเสียไป การถ่ายภาพเน้นไปที่ตึกระฟ้าและสิ่งประดิษฐ์สมัยใหม่อื่นๆ นั้นไม่ได้ตั้งใจ

อาจจะค่อนข้างไม่สงบและอาจไม่ถูกกล่าวถึงเพียงพอคือการที่ Masao แยกทางจากครอบครัวของเขามาเป็นเวลานาน อาจเป็นเรื่องน่ารังเกียจในวัยชราที่เข้าใจได้ เขาเป็นคนที่สำรวจครอบครัวของเขาเองเป็นส่วนใหญ่เมื่อหลายปีก่อน เรื่องนี้ต้องมีอะไรมากกว่าที่เราเห็นในภาพยนตร์มาก และเรากลับพบเพียงเศษเล็กเศษน้อยเมื่อต้องพูดถึงเรื่องใดเรื่องหนึ่งอย่างเรื่องเต็มที่ การแอบมองอย่างยั่วยุคือภาพวาดที่น่าสนใจของพ่อที่ลูกสาวของเขาสร้างขณะเฝ้ามองความตาย

ละครเรื่องนี้ไม่ได้เปิดเผยตัวเองตามปกติและค้นพบวิธีการของตัวเองที่มักจะประสบความสำเร็จมากกว่าที่จะให้น้ำหนักกับเหตุการณ์ในชีวิตประจำวันและบางครั้งก็น่าเบื่อ ในเรื่องนี้ เขาติดตามการนำของผู้กำกับศิลป์เอเชียที่เขาชื่นชอบ เช่น นาโอมิ คาวาเสะ ไช่ หมิงเลี้ยง และอภิชาติพงศ์ วีระเศรษฐกุล ซึ่งสไตล์ที่เชื่องช้าและศึกษาได้นั้นขัดกับบรรทัดฐานการสร้างภาพยนตร์เชิงพาณิชย์ของตะวันตก (ภาพยนตร์สองเรื่องของโยคีอยู่ใน ด้านสั้น) เขายังใช้สภาพอากาศและดนตรีเพื่อบ่งบอกถึงความปั่นป่วนที่รุนแรงของสิ่งที่เกิดขึ้นภายใต้ลักษณะภายนอกที่สมเหตุสมผลของตัวละครเป็นส่วนใหญ่

สไตล์และข้อกังวลของโยคีดังที่แสดงไว้ที่นี่ยังคงได้รับการเสริมแต่งอย่างเข้มงวดสำหรับบุคคลทั่วไปโดยเฉพาะ แต่มีนัยถึงการเปิดกว้างสำหรับผู้ชมที่กว้างขึ้น ผู้กำกับมีอำนาจเต็มที่ในสิ่งที่เขาทำ ดังนั้นเขาจึงควรค่าแก่การติดตามเพื่อดูว่าเขาพอใจที่จะยังคงเป็นบุคคลที่มีความสนใจเฉพาะทางหรือพยายามขยายจานสีและผู้ชมของเขา

Review By Brian Tallerico
เราเคยดูหนังเกี่ยวกับโรคระบาดมากมาย เหตุการณ์สำคัญๆ ในโลกมีอิทธิพลต่องานศิลปะเสมอ และเราคาดหวังได้ว่าปัญหาที่เกี่ยวข้องกับโควิดจะเกิดขึ้นในทุกๆ แนวเพลง หนึ่งในผลงานชิ้นแรกๆ ของการสร้างภาพยนตร์ที่ได้รับแรงบันดาลใจอย่างชัดเจนจากสิ่งที่เกิดขึ้นในปี 2020 เขียนขึ้นเมื่อเดือนมีนาคมปีที่แล้ว และอำนวยการสร้างเมื่อฤดูร้อนที่แล้ว ในการกลับมาของ Ben Wheatley ในรูปแบบ “In the Earth” ภาพยนตร์สยองขวัญเกี่ยวกับการแยกตัว ความหวาดระแวง และความหวาดกลัว เป็นผลงานที่รวบรวมเรื่องราวจากประวัติภาพยนตร์ของ Tarkovsky และ Wheatley พร้อมเสียงสะท้อนของงานที่เขาทำก่อนที่เขาจะเริ่มทำงานกับดารา MCU อย่าง “Kill List” และ “A Field in England” เป็นประสบการณ์ทางประสาทสัมผัสที่ออกแบบมาเพื่อคลี่คลายและทำให้ผู้ชมสับสนด้วยการโจมตีด้วยภาพและเสียง มันอาจจะไม่ได้มารวมกันในท้ายที่สุด แต่มันจะเป็นประสบการณ์ที่ยากจะลืมเลือนที่สุดในปี 2021 อย่างแน่นอน (Neon ได้หยิบมันขึ้นมาแล้วสำหรับการเปิดตัว

ไวรัสร้ายแรงได้ทำลายล้างโลก และส่งแพทย์ชื่อมาร์ติน โลเวอรี (โจเอล ฟรายผู้ยิ่งใหญ่) ไปยังป่าห่างไกลเพื่อค้นหาแพทย์ในศูนย์วิจัยที่นั่นซึ่งอาจมีคำตอบอยู่บ้าง ศูนย์กลางสามารถเข้าถึงได้ด้วยการเดินเท้าเท่านั้น และมาร์ตินเริ่มต้นการเดินทางกับหน่วยสอดแนมที่ชื่อ Alma (Ellora Torchia) แต่ทั้งสองได้พบกับชายคนหนึ่งที่ดูเหมือนจะใช้ชีวิตได้ดีนอกตารางที่ชื่อ Zach (Reece Shearsmith) ไม่นานนักนักเดินทางก็ค้นพบว่าแซคเป็นคนอันตราย เชื่อว่าเขาพบวิธีสื่อสารกับป่าและโลก และทุกสิ่งที่มนุษย์มีอยู่ทั่วไปปกคลุมอยู่ สิ่งต่าง ๆ เริ่มแปลกขึ้นจากที่นั่น คิดว่า “การทำลายล้าง” ด้วยการออกแบบที่ดุดันยิ่งขึ้นและการนองเลือด

Categories
รีวิวหนัง

Movie Review: DRIVE MY CAR

สองปีหลังจากการจากไปอย่างไม่คาดฝันของภรรยาของเขา Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima) นักแสดงและผู้กำกับละครชื่อดัง ได้รับข้อเสนอให้กำกับการผลิตของลุง Vanya ในงานเทศกาลละครที่เมืองฮิโรชิมา ที่นั่น เขาได้พบกับมิซากิ วาตาริ (โทโกะ มิอุระ) หญิงสาวผู้เงียบขรึมที่ได้รับมอบหมายจากเทศกาลให้ขับรถไปส่งในรถซ้าบ 900 สีแดงอันเป็นที่รักของเขา เมื่องานรอบปฐมทัศน์ใกล้เข้ามา นักแสดงและทีมงานก็เกิดความตึงเครียด ไม่น้อยระหว่างยูสุเกะและโคจิ ทาคัตสึกิ ดาราทีวีสุดหล่อที่เล่าถึงความสัมพันธ์ที่ไม่พึงใจกับภรรยาผู้ล่วงลับของยูสุเกะ ยูสุเกะถูกบังคับให้เผชิญหน้ากับความจริงอันเจ็บปวดที่หยิบยกมาจากอดีตของเขา ด้วยความช่วยเหลือจากคนขับรถของเขา เพื่อเผชิญหน้ากับความลึกลับที่หลอกหลอนที่ภรรยาของเขาทิ้งไว้เบื้องหลัง ดัดแปลงมาจากเรื่องสั้นของฮารูกิ มูราคามิ เรื่อง Drive My Car ของริวสุเกะ ฮามากุจิ เป็นภาพยนตร์แนวหลอนที่เดินทางในเส้นทางแห่งความรัก การสูญเสีย การยอมรับ และความสงบสุข ผู้ชนะสามรางวัลจากเทศกาลภาพยนตร์เมืองคานส์ปี 2021 รวมถึงบทภาพยนตร์ยอดเยี่ยม

Drive My Car นำคุณสู่การเดินทางแห่งชีวิต: Express ที่
ภาพยนตร์เรื่อง Drive My Car ล่าสุดของTIFF Ryusuke Hamaguchi ไม่ได้ให้คำตอบสำหรับคำถามที่น่าสนใจ มันแค่ปล่อยให้พวกมันนอนอยู่รอบๆ ให้เราหยิบขึ้นมาและสงสัยต่อไป
Review By Shubhra Gupta
ยกมือขึ้น คนที่นึกถึงเพลงคลาสสิกของบีทเทิลส์ทันทีเมื่อได้ยินชื่อภาพยนตร์เรื่อง Drive My Car ล่าสุดของริวสุเกะ ฮามากุจิ นี่ไม่ใช่ครั้งแรกที่ Haruki Murakami ยืมเพลงของ Beatles อันโด่งดังมาเป็นชื่อ จำ ‘Norwegian Wood’ ได้ไหม? คราวนี้ แก่นแท้ของเพลง ‘ที่รัก คุณสามารถขับรถของฉันได้ และบางทีฉันจะรักคุณ’ ซึมซาบเข้าสู่ภาพยนตร์ความยาวเกือบ 3 ชั่วโมงของฮามากุจิ ซึ่งเป็นการผสมผสานกันอย่างลงตัวของอารมณ์และการทำสมาธิ

บรรดาผู้ที่เกลียดชังใครก็ตามที่แตะรถของพวกเขาจะเข้าใจถึงความไม่เต็มใจของนักแสดงและผู้กำกับละครชื่อดัง ยูสุเกะ (ฮิเดโตชิ นิชิจิมะ) เมื่อเขามาถึงในฐานะแขกผู้มีเกียรติในถิ่นพำนักในฮิโรชิมา แต่ช่วงเวลาที่มิซากิ (โทโกะ มิอุระ) ลื่นไถลหลังพวงมาลัยและออกตัว โดยที่มิซากินั่งเบาะหลังนั้น เขาไม่เพียงแต่ผ่อนคลายเท่านั้น แต่ยังลืมไปว่าเขาอยู่ในรถด้วย หญิงสาวคนนี้ช่างนุ่มนวล และการปรากฏตัวของเธอที่ไม่สร้างความรำคาญให้ Yusuke สามารถอยู่ได้ด้วยตัวเอง ซึ่งเป็นสิ่งที่เขาชอบเพราะเขาชอบเวลาที่ไม่ย่อท้อเพื่อซ้อมบทของเขาออกมาดังๆ ระหว่างการขับรถระยะไกล

ความสัมพันธ์ที่แปลกประหลาดระหว่างคนแปลกหน้าสองคนนี้ที่ก่อตัวขึ้นซึ่งกำลังดำลึกลงไปในบางสิ่งที่สวยงามแปลก ๆ เมื่อพวกเขาเปิดเผยเรื่องราวของพวกเขาให้กันและกันคือ Hamaguchi (ภาพยนตร์เรื่องล่าสุดของเขา ‘Wheel of Fantasy and Fortune’ เป็นภาพยนตร์ที่ดีที่สุดเรื่องหนึ่งในปีนี้ที่ เบอร์ลิน) เมื่อเขาไปถึงนางาซากิ Yusuke แสดงให้เห็นว่าเขาพยายามที่จะอยู่เบื้องหลังการตายของภรรยาที่งดงามของเขา Oto (Reika Kirishima) นักเขียนบทละครที่ประสบความสำเร็จด้วยความโน้มเอียงที่ไม่ธรรมดา ความคิดสร้างสรรค์ของเธอลดลงและไหลออกมาจากความคิดทางเพศของพวกเขา เธอมักจะได้ไอเดียใหม่ๆ จากจุดไคลแมกซ์ที่ยอดเยี่ยมและแบ่งปันกับสามีของเธอ อยู่มาวันหนึ่ง เขาเห็นโอโตะกำลังคร่ำครวญกับชายหนุ่มคนหนึ่ง และการล่าถอยของเขา เขาไม่พูดและไม่เผชิญหน้ากับเธอ บอกเราบางอย่าง Oto เป็นผู้กระทำความผิดต่อเนื่องที่ Yusuke ทราบหรือไม่

ที่บ้านพัก เมื่อเขาเผชิญหน้ากับชายหนุ่มคนเดียวกัน ดาราดัง โคจิ (มาซากิ โอคาดะ) เขาก็ตอบโต้ด้วยการมอบให้เป็นส่วนหนึ่งของชายที่แก่กว่ามาก เขาจะเล่นเป็น ‘ลุง Vanya’ ผู้สูงอายุในการเล่น Anton Chekov ความไม่สบายใจระหว่างชายสองคนนั้นจึงชัดเจน และความแหลมคมที่พวกเขาแลกเปลี่ยนคำพูดทำให้เห็นชัดเจนว่าทั้งคู่ต่างตระหนักถึงความเชื่อมโยงของ Oto ที่ไม่ใช่แค่การพิชิตทางร่างกายของชายหนุ่มเท่านั้นที่เขารู้สึกลึก ๆ ต่อ Oto มาทำให้ทั้งสามีและพวกเราประหลาดใจ บางทีในการแต่งงานที่ยาวนานของเขาเขาไม่เคยเข้าใจเธอเลย และบางทีในช่วงเวลาสั้นๆ Koji และ Oto ที่อยู่ด้วยกัน เขาได้ให้เธอในแบบที่ Yusuke ไม่เคยทำ

‘Drive My Car ‘ ไม่ได้ให้คำตอบสำหรับคำถามที่น่าสนใจเหล่านี้ เพียงปล่อยให้พวกเขาโกหกเพื่อให้เราหยิบขึ้นมาและสงสัย เหตุผลที่อยู่เบื้องหลังการขับรถไร้ที่ติของมิซากินั้นชัดเจน และเราก็ได้รู้ว่าเหตุใดเธอจึงนิ่งเฉย และทำไมเธอถึงมีแผลเป็นบนใบหน้า เราเห็นรอยแผลเป็นบนจิตวิญญาณของเธอในภายหลัง ฮามากุจิเป็นหนึ่งในนักเขียนบทหนุ่มที่น่าสนใจที่สุดที่ทำงานในญี่ปุ่นในขณะนี้ เป็นผู้ตบมือในการลอกเลเยอร์ออก เขาก็คงทราบดีว่าเราไม่เปิดเผยตนเองในทันที ไม่เพียงแต่เปิดเผยต่อผู้อื่น แต่ให้เปิดเผยต่อตนเองด้วย และการเดินทางนั้นอาจใช้เวลาทั้งชีวิต

Review By Max Maller
ในความคิดของฉัน ผู้กำกับ Ryusuke Hamaguchi ที่ดัดแปลงเรื่องสั้น Haruki Murakami ในชื่อเดียวกัน ถูกปฏิเสธเพื่อ Palme d’Or เป็นภาพยนตร์ที่เกือบจะสมบูรณ์แบบ หากคุณเป็นเหมือนฉันและนึกภาพยนต์ที่ทำร้ายจิตใจคุณไม่พอ คนปิดรับรู้จักกันในซาบที่เคลื่อนไหว คนเหล่านี้คือ Yusuke Kafuku (Hidetoshi Nishijima) นักแสดงละครเวทีและผู้กำกับที่ได้รับมอบหมายให้ควบคุมการผลิตหลายภาษาของลุง Vanya ของ Chekhov ในฮิโรชิมาและ Misaki (Toko Miura) คนขับรถที่เงียบสงบของเขา ที่เวลา 2 ชั่วโมง 59 นาที มีปัจจัยด้านความอดทน แต่สิ่งนี้ก็อดทนและสัมผัสได้เหมือนในภาพยนตร์

บทวิจารณ์ ‘Drive My Car ความเร็วในการดัดแปลง Murakami หนังสามชั่วโมงของ Ryûsuke Hamaguchi
Review By David Ehrlich
ดัดแปลงโดย “Happy Hour” และ “Asako I & II” ผู้เขียน Ryûsuke Hamaguchi จากเรื่องสั้นโดย Haruki Murakami “Drive My Car” เป็นการปะทะกันระหว่างผู้สร้างภาพยนตร์หน้าใหม่ซึ่งหลงใหลในการใช้ชีวิตภายในของผู้หญิงและคนดัง ผู้เขียนที่ ไม่ใช่ (ไม่ต้องพูดถึงเสน่ห์อื่น ๆ ของเขา Murakami เป็นสาวในฝันลึกลับมากกว่า) แต่นักเล่าเรื่องที่ต่างกันสุดขั้วสองคนนี้ไม่ใช่คนเดียวที่แย่งชิงการควบคุมพวงมาลัยในอัญมณีสามชั่วโมงที่หลอกลวงนี้ ในไม่ช้าจะมีการแนะนำบุคคลสำคัญคนที่สามเพื่อช่วยนำทางพวกเขาไปในทิศทางเดียวกัน: นักเขียนบทละครในตำนาน Anton Chekhov

และทำไมถึงไม่? หากประวัติโดยย่อและความไม่สม่ำเสมอของการดัดแปลงของมูราคามิสอนอะไรเรา แสดงว่างานเขียนของเขาที่ห่างไกลจากความรู้สึกเย้ายวนนั้นได้ตีความได้ดีที่สุดโดยผู้ที่ไม่กลัวที่จะบังคับตามเจตจำนงของตนเอง นั่นคือสิ่งที่ Lee Chang-dong ทำกับเพลง “Burning” และนั่นคือสิ่งที่ Hamaguchi ทำที่นี่ (แม้ว่าจะได้สัมผัสที่นุ่มนวลกว่า ผลลัพธ์ที่ได้คือเรื่องราวที่ไม่สำคัญแต่ก้องกังวานเกี่ยวกับบทแปลก ๆ ในชีวิตของผู้กำกับละครที่โศกเศร้า เสียงกระซิบบนเวทีที่สนิทสนมของภาพยนตร์ที่ทุกฉากรู้สึกเหมือนเป็นความลับ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ ยังเป็นละครเกี่ยวกับชายคนหนึ่งที่ตั้งสมมติฐานบางอย่างเกี่ยวกับผู้หญิงในชีวิตของเขา เพราะเขากลัวที่จะตายในการเรียนรู้ความจริงของพวกเขา

“Drive My Car” ได้เข้าเกียร์ด้วยการเอาบทนำที่บริสุทธิ์ของ มูราคามิ เสียงที่ฮามากุจิและทากามาสะ โอเอะ ผู้เขียนร่วมเขียนเลียนแบบอย่างง่ายดาย ขณะที่เซ็กส์ได้เกลี้ยกล่อมให้หญิงสาวเปลือยที่ชื่อโอโตะ (เรอิกะ คิริชิมะ) ให้กลายเป็นความทรงจำที่สร้างสรรค์ เธอสะดุ้งตัวขึ้นบนเตียงในช่วงก่อนรุ่งสาง โดยมีความคิดเกี่ยวกับนักบินทีวีที่มีความต้องการทางเพศที่เธอพยายามจะแหย่กับสามีดาราละครของเธอ ยูสุเกะ (ฮิเดโตชิ นิชิจิมาอิ) “เธอเข้าใจเรื่องราวจากจุดสุดยอด” ยูสุเกะจะจำได้ในเวลาต่อมา สองปีหลังจากที่เขาพบว่าโอโตะเสียชีวิตจากเลือดออกในสมองบนพื้นอพาร์ตเมนต์ของเขา นอกจากนี้ เขายังจะจำรายละเอียดอื่นๆ จากบทนำที่น่าดึงดูดใจความยาว 40 นาทีของภาพยนตร์เรื่องนี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งช่วงเวลาที่เขากลับมาถึงบ้านเพื่อค้นพบโอโตะที่กำลังบิดตัวไปมาอยู่เหนือนักแสดงหนุ่มที่หล่อเหลา (มาซากิ โอคาดะ รับบทเป็น โคจิ ทาคาซึกิ เจ้าอารมณ์และหุนหันพลันแล่น)

Yusuke ไม่ได้เผชิญหน้ากับ Oto เกี่ยวกับสิ่งที่เขาเห็น ซึ่งบ่งบอกถึงความเป็นไปได้ที่เขาอาจเคยเห็นมันมาก่อน หรือบางทีการนอกใจของภรรยาของเขาอาจเป็นสิ่งที่เขาพลาดในจุดบอดของเขา ซึ่งเป็นจุดบอดเดียวกับที่ทำให้เขาชนซากสีแดงอันเป็นที่รักของเขาขณะที่เขาขับรถไปรอบ ๆ โตเกียวเพื่อสงบสติอารมณ์ (แพทย์วินิจฉัยว่าเขาเป็นโรคต้อหิน แต่การตรวจวัดสายตาจะไม่ค่อยเห็นหากไม่มี อาจจะเป็นอุปมา) จากนั้นอีกครั้ง Yūsuke ไม่เคยต้องการข้อแก้ตัวที่แท้จริงเช่นนี้เพื่อหลีกเลี่ยงการสบตากับวิกฤตของเขา และฮามากุจิก็ยอมให้ตัวละครของเขาถอยกลับไปสู่อาการมึนงงที่น่าขนลุกเมื่อใดก็ตามที่คะแนนอันเหลือล้นของ Eiko Ishibashi ที่สั่นสะเทือนราวกับเครื่องดื่มเย็นเกินไป เพื่อลิ้มรส

แต่สิ่งที่ยูสุเกะจำได้อย่างชัดเจนที่สุดเกี่ยวกับโอโตะคือเสียงของเธอ ส่วนใหญ่เพราะเขายังคงฟังมันทุกวันขณะขับรถ ก่อนที่เธอจะเสียชีวิต Oto ได้บันทึกเสียงของตัวเองทั้งหมดยกเว้นส่วนหนึ่งใน “Uncle Vanya” ซึ่งเธอมีเสมอสำหรับสคริปต์ที่Yūsukeจำเป็นต้องจดจำ สองปีและน่าจะยกเลิกการผลิตหลายครั้งในภายหลัง Yūsuke ตกลงที่จะแสดงละครของ Chekhov ในเวอร์ชันเฉพาะของเขาในฮิโรชิมา การแสดงโดยปริยายของ Nishijima เชิญชวนให้เราสรุปเอาเอง แต่มีความซาบซึ้งในการบำบัดรักษาอยู่รอบๆ พิธีกรรมของ Yūsuke เนื่องจากข้อความของ Chekhov อนุญาตให้เขาพูดโดยใช้กลไก เช่น “ชีวิตของฉันหายไป” และ “ผู้หญิงคนนั้นไม่สมควรได้รับการให้อภัยสำหรับเธอ นอกใจ” ออกมาดัง ๆ ในความเป็นส่วนตัวในรถของเขา

น่าแปลกที่ Yūsuke ยังคงทำเช่นนี้แม้ว่าเขาจะตัดสินใจว่ามันจะเจ็บปวดเกินไปสำหรับเขาที่จะแสดงในละครเรื่องนี้ (“Chekhov น่ากลัวเพราะบทของเขาดึงความเป็นจริงออกจากตัวคุณ” เขายอมรับ) ถ้ายูสุเกะต้องรู้บทด้วยใจจริง ๆ ก็เพียงเพราะกลไกสำคัญของเขาคือให้นักแสดงแต่ละคนแสดงบทในภาษาแรกของพวกเขา (ซึ่งอาจเป็นภาษาญี่ปุ่น ภาษาจีนกลาง ภาษาตากาล็อก หรือแม้แต่ภาษามือของเกาหลี ) นักแสดงมือสมัครเล่นส่วนใหญ่ถูกบังคับให้กินจังหวะของบทสนทนาของกันและกัน ผู้ชมสุดท้ายของรายการที่มีกำแพงของคำบรรยายอยู่ แต่ผู้คนบนเวทีถูกปล่อยให้รับรู้ถึงสิ่งที่พวกเขาสามารถทำได้จากเพื่อนนักแสดงและเติมเต็มในส่วนที่เหลือ

เมื่อดูการซ้อม เราสามารถซาบซึ้งทั้งผลที่ยูสุเกะกำลังดำเนินอยู่ และการทำงานหนักอย่างเจ็บปวดเพื่อให้บรรลุเป้าหมายนั้น ฉากที่ยาวและชวนให้หลงใหลที่พาเราไปหลังม่านนั้นเต็มไปด้วยความตึงเครียดภายใต้สถานการณ์ที่ดีที่สุด การหยุดที่ก้นบึ้งของ Chekhov นั้นไม่ค่อยตึงเครียดนัก แต่Yūsuke เพิ่มสิ่งต่าง ๆ โดยการคว้าโอกาสที่จะทรมานคนรักของภรรยาผู้ล่วงลับของเขาและคัดเลือกด้วย ทาคัตสึกิตอนเด็กในบทนำ แน่นอน เราไม่สามารถพูดได้อย่างแน่นอนว่าทำไมยูสุเกะจึงตัดสินใจดำดิ่งสู่สถานการณ์ที่ยุ่งเหยิงเช่นนี้ แต่ความตั้งใจใด ๆ ที่คุณเลือกที่จะมอบบทละครให้อยู่ในมือของภาพยนตร์ที่หมกมุ่นอยู่กับการที่ผู้คนเติมเต็มจุดบอดของพวกเขา ไม่เห็นซึ่งกันและกัน

อย่างไรก็ตาม สำหรับการทรยศต่อหัวใจของละครเรื่องนี้ แก่นแท้ของเรื่องราวของมูราคามิอยู่ที่ความไว้วางใจที่ชีวิตต้องการให้เราเชื่อมโยงกันหากเรามีความหวังที่จะไปที่ไหนสักแห่ง เป็นความไว้วางใจแบบเดียวกับที่เรามอบให้กับคนแปลกหน้าทุกคนที่ขับรถมาหาเราที่อีกฟากหนึ่งของถนนที่มีสองแถว หรือที่ Yusuke ถูกบังคับอย่างไม่เต็มใจที่จะขยายเวลาคนขับอายุ 23 ปีที่ได้รับมอบหมายให้เป็นผู้อำนวยการฮิโรชิมาในบ้านพัก นับตั้งแต่มีคนหนึ่งวิ่งไป

ชื่อของเธอคือวาตาริ มิซากิ (โทโกะ มิอุระ) และโดยพื้นฐานแล้วเธอเป็นอุดมคติของหญิงสาวมุราคามิที่สงบสุข: สั้น ลึกลับ และมีความสามารถเหนือธรรมชาติในงานทางโลก ในกรณีนี้: ขับรถของยูสุเกะ มิซากิอยู่ที่นั่นเสมอ ราวกับว่าเธอไม่มีตัวตนในบริบทอื่น เขาวางชีวิตของเธอไว้ในมือของเขา และเธอก็ควบคุม Saab ด้วยความมั่นใจว่า Yūsuke มักจะลืมไปว่าเขาอยู่ในรถเลย ถ้าเพียงนักแสดงในละครของเขาสามารถประสานกันได้ดี

Categories
รีวิวหนัง

Movie Review: LOVE IT WAS NOT

หญิงสาวชาวยิวชื่อเฮเลนา ซิตรอนถูกนำตัวไปที่เอาช์วิทซ์ ซึ่งเธอได้พัฒนาความสัมพันธ์ที่โรแมนติกที่ไม่น่าจะเกิดขึ้นกับฟรานซ์ วุนช เจ้าหน้าที่ระดับสูงของเอสเอส สามสิบปีต่อมา มีจดหมายจากภรรยาของวุนช์ส่งมาขอให้เฮเลนาให้การเป็นพยานในนามของวุนช์ เมื่อต้องเผชิญกับการตัดสินใจที่เป็นไปไม่ได้ เฮเลนาต้องเลือก เธอจะช่วยคนที่ถูกทารุณหลายชีวิต แต่ช่วยชีวิตเธอได้หรือไม่?

รีวิว: ‘Love It Was Not’ เน้นความสัมพันธ์ที่ก้องกังวานในทศวรรษต่อมา
Review By MICHAEL RECHTSHAFFEN
The Times มุ่งมั่นที่จะทบทวนการเปิดตัวภาพยนตร์ละครในช่วงการระบาดใหญ่ของ COVID-19 เนื่องจากการฉายภาพยนตร์มีความเสี่ยงในช่วงเวลานี้ เราจึงเตือนผู้อ่านให้ปฏิบัติตามแนวทางด้านสุขภาพและความปลอดภัยตามที่ระบุไว้โดยศูนย์ควบคุมและป้องกันโรคและเจ้าหน้าที่สาธารณสุขในพื้นที่

ความรักระหว่างเชลยและผู้จับกุมโดยพฤตินัยจะถือเป็นความรักที่ถูกต้องตามกฎหมายได้หรือไม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งความรักระหว่างนักโทษชาวยิวในค่าย Auschwitz กับเจ้าหน้าที่ SS?
นั่นคือคำถามที่ซับซ้อนซึ่งเป็นหัวใจของ “Love It Was Not” สารคดีที่น่าสนใจและค้นคว้าอย่างละเอียดถี่ถ้วนโดย Maya Sarfaty ผู้อำนวยการสร้างภาพยนตร์ชาวอิสราเอลที่ไม่เคยหยุดนิ่งกับคำตอบ

ในบรรดาสตรีกลุ่มแรกที่มาถึงค่ายกักกันที่มีชื่อเสียงในปี 1942 เฮเลนา ซิตรอนที่หน้าสดและแข็งแกร่งจะดึงดูดความสนใจของฟรานซ์ วุนสช์ ซึ่งเป็นเจ้าหน้าที่ระดับสูงของออสเตรียในขั้นต้นด้วยเสียงร้องเพลงของเธอในตอนแรก เพลงเยอรมันยอดนิยม “Love It Was Not”
วุนสช์ไม่เพียงแค่แสดงความเมตตาต่อเฮเลนาในทันที เธอยังเรียกร้องให้เขามอบความโปรดปรานที่จะไว้ชีวิตผู้คนมากมายที่อยู่รอบตัวเธอ โดยเฉพาะชีวิตของโรซ่า ที่น้องสาวของเธอ

แม้ว่าความรู้สึกของพวกเขาจะมีอยู่ร่วมกันก็ตาม Wunsch จะตัดภาพใบหน้าของ Helena ออกจากภาพถ่ายที่ถ่ายที่ Auschwitz อย่างหมกมุ่นและซ้อนทับกับรูปภาพของคนอื่น ๆ ในสถานที่ที่แปลกใหม่ซึ่งอาจเป็นวิธีที่ทำให้เธอหลุดพ้นจากความสยองขวัญโดยรอบ
ผู้กำกับซาร์ฟาตีที่เล่าเรื่องของ Citron เป็นครั้งแรกในภาพยนตร์สารคดีที่ได้รับรางวัลออสการ์เรื่อง “The Most Beautiful Woman” ซึ่งเป็นผลงานของนักเรียน ได้นำเอาการตัดต่อและวางรอยบาก สร้างภาพตัดต่อที่โดดเด่นซึ่งช่วยเพิ่มการมีส่วนร่วม โดยเฉพาะในช่วงที่เกิดอาชญากรรมสงครามของ Wunsch ในปี 1972 การพิจารณาคดีที่ Citron ถูกขอให้เป็นพยาน

พวกเขาผสมผสานกันอย่างมีประสิทธิภาพกับการสัมภาษณ์ลูกหลานจากทั้งสองครอบครัวและคำรับรองที่สดใสอย่างน่าทึ่งจากโคตร Auschwitz ที่รอดตายหลายคน Citron ซึ่งเสียชีวิตในปี 2550 อาจเรียกการนัดพบของพวกเขาว่า “ความหลงใหลที่ผ่านไป” แต่ในมือของ Sarfaty เป็นสิ่งที่สะท้อนกลับอย่างทรงพลัง 80 ปีต่อมา

บทวิจารณ์ ‘Love It Was Not’: Holocaust Doc เจาะลึกความสัมพันธ์ระหว่างนักโทษชาวยิวกับเจ้าหน้าที่ SS
เรื่องราวที่ได้รับการจัดทำเป็นเอกสารอย่างยอดเยี่ยมและสร้างสรรค์เกี่ยวกับความรักต้องห้ามที่ Auschwitz ระหว่างนักโทษชาวยิวกับผู้จับกุม SS ของเธอ ทั้งคู่ได้พบกันอีก 30 ปีต่อมา ในการพิจารณาคดีอาชญากรรมสงครามของเขา
Review By Alissa Simon
ดูเหมือนเป็นไปไม่ได้ ความสัมพันธ์ที่ขับเคลื่อนด้วยความรักมากกว่าพลวัตของอำนาจระหว่างนักโทษชาวยิวและเจ้าหน้าที่ SS ออสเตรียที่ Auschwitz แต่ความโรแมนติกที่ต้องห้ามระหว่างสาวสวยชาวสโลวักผู้ต้องขังเฮเลนา ซิตรอนกับผู้จับกุมที่อายุไม่มากของเธอ Franz Wunsch ได้รับการบันทึกไว้อย่างยอดเยี่ยมในภาพยนตร์เรื่อง “Love It Was Not” อันน่าทึ่งจาก Maya Sarfaty กัปตันชาวอิสราเอล ภาพยนตร์เรื่องนี้เจาะลึกลงไปในหัวข้อ “ผู้หญิงที่สวยที่สุด” นักศึกษารางวัลออสการ์ประจำปี 2016 ของซาร์ฟาตี เธอใช้เสียงประสานเสียง ตลอดจนภาพถ่ายและฟุตเทจที่เก็บถาวรที่จัดวางอย่างมีศิลปะเพื่อแสดงผลกระทบของผู้ประสานงานที่มีต่อชีวิตของทั้งคู่และครอบครัวของพวกเขา

ผลจากการวิจัยเป็นเวลานานหลายปี “Love It Was Not” โดดเด่นไม่เพียงแค่เรื่องกลางที่ไม่ธรรมดาและการดำเนินการอย่างสร้างสรรค์ที่มีเอกลักษณ์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงคำให้การของผู้เห็นเหตุการณ์อย่างกว้างขวางด้วย Sarfaty รวบรวมจดหมายเหตุของ Yad Vashem ของอิสราเอลและ Shoah Foundation ของ Steven Spielberg โดยมองหาบันทึกของผู้หญิงที่จัดทำดัชนีเป็นคนงานในโรงงาน “แคนาดา” ที่ Auschwitz และฟังการกล่าวถึง Helena และ Franz ในเรื่องราวการเอาชีวิตรอดส่วนตัวของพวกเขา เธอยังสามารถค้นหาและสัมภาษณ์ผู้หญิงที่มีบุคลิกโดดเด่น 7 คน ซึ่งมีอายุประมาณ 90 ปีเป็นการส่วนตัว ซึ่งมีความทรงจำที่น่าประหลาดใจ คำให้การของพวกเขาช่วยเสริมและหักล้างความทรงจำของเฮเลนา โรซา น้องสาวของเธอและวุนช์ แม้ว่าสามคนหลังนี้จะเสียชีวิตก่อนที่ซาร์ฟาตีจะเริ่มถ่ายทำภาพยนตร์ของเธอ แต่เธอก็สามารถเข้าถึงวิดีโอสัมภาษณ์ที่สร้างขึ้นในช่วงชีวิตของพวกเขาที่เธอสานต่อได้

ทั้งการเล่าเรื่องและสไตล์ ภาพยนตร์เริ่มต้นด้วยภาพถ่าย เป็นรูปของเฮเลนาที่ค่ายเอาชวิทซ์ สวมชุดลายทางของนักโทษ แต่ดูสุขภาพดีอย่างน่าประหลาดใจ และยิ้มให้กล้อง ภาพนี้ถ่ายโดย Wunsch Dagmar ลูกสาวของเขาเปิดเผยว่าเขาทำสำเนารูปภาพนั้นหลายชุดเพื่อที่เขาจะได้ตัดมันออกแล้วใส่ Helena ในชุดเสื้อผ้าที่แตกต่างกันและสภาพแวดล้อมที่น่ารื่นรมย์ยิ่งขึ้น ด้วยแรงบันดาลใจจากสิ่งนี้ ผู้กำกับซาร์ฟาตีจึงใช้เทคนิคการตัดต่อภาพที่ซับซ้อนมากขึ้นได้อย่างยอดเยี่ยมเพื่อแสดงเหตุการณ์อันน่าทึ่งในเรื่องราว

ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2485 การขนส่งสตรีและเด็กหญิงครั้งแรก เกือบ 1,000 คนจากทั่วสโลวาเกียมาถึงสถานที่ก่อสร้างของค่ายกักกันเอาช์วิทซ์ ในหมู่พวกเขาคือเฮเลนา ลูกสาวของต้นเสียง ซึ่งครั้งหนึ่งเคยใฝ่ฝันอยากจะมีอาชีพเป็นนักแสดง ขณะที่เธอและผู้รอดชีวิตบรรยายถึงประสบการณ์ที่ลดทอนความเป็นมนุษย์ ขณะที่เราเห็นภาพถ่ายสมัยก่อนและฟุตเทจในข่าวที่มีการแทรกภาพตัดของเฮเลนา

หลังจากได้รับมอบหมายในขั้นต้นให้ทำงานที่อันตรายกับลูกเรือรื้อถอน เฮเลนาได้รับความโชคดีในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2485 โดยทำงานที่ “แคนาดา” ซึ่งเป็นห้องเก็บของส่วนตัวของผู้ที่ถูกเติมน้ำมัน ที่นั่น เธอและผู้หญิงคนอื่นๆ ที่จัดเรียงกระเป๋าเดินทางบางครั้งสามารถกินอาหารที่พบหรือใช้เสื้อผ้าหรือรองเท้าที่อุ่นกว่า และที่นั่นเธอได้รับเลือกให้ร้องเพลงในงานเลี้ยงวันเกิดของ Wunsch วัย 20 ปี ซึ่งเป็นหนึ่งในชาย SS ที่ดูแลปฏิบัติการ “แคนาดา”

ในคำบอกของเฮเลนา หลังจากที่เธอแสดงเพลงภาษาเยอรมัน “Love It Was Not” ที่มีน้ำตาไหลอาบใบหน้าของเธอ Wunsch ก็ขอให้เธอร้องอย่างสุภาพ (“เหมือนมนุษย์”) อีกครั้ง ช่วงเวลานั้นเป็นจุดเริ่มต้นของความสัมพันธ์ที่อันตรายและต้องห้ามซึ่งอาจหมายถึงความตายสำหรับทั้งคู่
แม้จะจำเป็นต้องปกปิดเป็นความลับ เพื่อนร่วมค่ายของเฮเลนาก็ตระหนักดีถึงบางสิ่งที่กำลังเกิดขึ้นขณะที่ทั้งคู่แอบซ่อนข้อความของกันและกัน ผู้รอดชีวิตคนหนึ่งสังเกตว่า “เขารักเธอจนแทบบ้า” เฮเลนาอ้างว่าเธอสามารถช่วยชีวิตผู้คนได้มากมาย ต้องขอบคุณเขา และแน่นอนว่า Wunsch ช่วยชีวิตเธอได้หลายครั้ง รวมถึงเมื่อเธอติดเชื้อไข้รากสาดใหญ่ โดยจัดเตียงให้เธอใน “แคนาดา” เพื่อให้เขาสามารถตรวจสอบการดูแลของเธอได้

หลังจากการสอบสวนที่บาดใจโดย “ฝ่ายการเมือง” ของค่ายเมื่อมีคนแจ้งเกี่ยวกับพวกเขา เรื่องราวของเฮเลนาก็พลิกผันอีกครั้งในปี 1944 เมื่อโรซาพี่สาวของเธอมาถึงเอาชวิทซ์พร้อมกับสามีและลูกสองคนของเธอ ผู้หญิงแบ่งปันความทรงจำเกี่ยวกับการช่วยเหลือ Roza ในนาทีสุดท้ายของ Wunsch จากพื้นที่เปลี่ยนเสื้อผ้านอกห้องอาบน้ำสมมุติ แต่การพูดคุยเรื่องการไร้ความสามารถของเขาที่จะช่วยลูกๆ ของโรซ่านั้นแทบจะทนไม่ได้

เมื่อมีการอพยพค่ายในปี 1945 Wunsch จัดหาเสื้อผ้าที่อบอุ่นให้กับ Helena และ Roza ก่อนที่เขาจะถูกส่งไปยังด่านหน้า แม้ว่าเขาจะพยายามตามหาเฮเลนามาหลายปีหลังสงคราม แต่ครั้งสุดท้ายที่เธอเห็นเขาจนกระทั่งปี 1972 เมื่อเธอบินไปออสเตรียพร้อมกับผู้รอดชีวิตคนอื่นๆ เพื่อเป็นพยานในการพิจารณาคดีของเขาในข้อหาก่ออาชญากรรมสงคราม

ในบรรดาจุดแข็งหลายประการของฟิล์มที่ประกอบอย่างยอดเยี่ยมนี้คือวิธีที่ซาร์ฟาตีแสดงให้เห็นชัดเจนว่าสถานการณ์ของเฮเลนามีแรงกดดันอยู่เสมอ ใน Auschwitz บางคนอิจฉาตำแหน่งและผู้พิทักษ์ของเธอ ต่อมาในอิสราเอล เธอถูกสอบสวนว่าเป็นผู้ร่วมงานที่เป็นไปได้ เมื่อเธอถูกเรียกตัวไปแสดงหลักฐานในคดีของ Wunsch มันไม่ง่ายเหมือนกับการพยายามช่วยชายที่ช่วยเธอไว้ หรือให้การเป็นพยานในฐานะชาวยิวผู้ภาคภูมิใจในการต่อสู้กับนาซีที่โหดเหี้ยม ในทำนองเดียวกัน ผู้ชมสามารถเห็น Wunsch ว่าทั้งโหดร้ายและรุนแรงในงานของเขา และเป็นคนที่มีความเห็นอกเห็นใจและความอ่อนโยน จริงใจในความรักที่เขามีต่อเฮเลนา ในด้านเทคโนโลยี ความรุ่งโรจน์เกิดจากการตัดที่แม่นยำของ Sharon Yaish, Ayelet Albenda และ Shlomit Gopher ในการตัดต่อภาพอย่างอุตสาหะ และคะแนนโทนสีที่ชวนให้นึกถึงแต่ใช้น้อยของ Paul Gallister

สุดท้ายนี้ เชิงอรรถ: Kurt Langbein โปรดิวเซอร์ชาวออสเตรียเป็นบุตรชายของ Hermann Langbein นักสู้ต่อต้านชาวยิวและผู้รอดชีวิตจากค่าย Auschwitz ผู้ซึ่งร่วมกับ Simon Wiesenthal เป็นผู้นำการต่อสู้เพื่อดำเนินคดี SS ของออสเตรียที่รับใช้ในค่ายรวมถึง Franz วุนช์.

Categories
รีวิวหนัง

Review: หนังเรื่อง FINCH

ใน “Finch” ผู้ชาย หุ่นยนต์ และสุนัขสร้างครอบครัวที่ไม่น่าจะเกิดขึ้นได้ในการผจญภัยอันทรงพลังและเคลื่อนไหวตามภารกิจของชายคนหนึ่งเพื่อให้แน่ใจว่าสหายสุนัขอันเป็นที่รักของเขาจะได้รับการดูแลหลังจากที่เขาจากไป ทอม แฮงค์ส รับบทเป็น ฟินช์ วิศวกรหุ่นยนต์และเป็นหนึ่งในผู้รอดชีวิตไม่กี่คนจากเหตุการณ์สุริยะครั้งใหญ่ที่ทำให้โลกกลายเป็นที่รกร้างว่างเปล่า แต่ฟินช์ซึ่งอาศัยอยู่ในหลุมหลบภัยใต้ดินมานานนับทศวรรษ ได้สร้างโลกของตัวเองที่เขาแบ่งปันกับกู๊ดเยียร์ สุนัขของเขา เขาสร้างหุ่นยนต์ที่เล่นโดย Caleb Landry Jones เพื่อดูแลกู๊ดเยียร์เมื่อเขาจะทำไม่ได้อีกต่อไป ขณะที่ทั้งสามคนออกเดินทางสู่เส้นทางที่เต็มไปด้วยอันตรายในอเมริกาตะวันตกที่รกร้างว่างเปล่า ฟินช์มุ่งมั่นที่จะแสดงให้เห็นถึงการสร้างสรรค์ของเขา ผู้ซึ่งตั้งชื่อตัวเองว่าเจฟฟ์ ความปิติยินดีและความมหัศจรรย์ของการมีชีวิตอยู่หมายความว่าอย่างไร การเดินทางบนถนนของพวกเขาเต็มไปด้วยความท้าทายและอารมณ์ขัน

Review By Thelma Adams
ลูกผสมระหว่าง Wall-E, I Am Legend, The Martian และ Castaway ของเขาเอง, Tom Hanks, 65, รับบทเป็น Finch วิศวกรหุ่นยนต์ที่ป่วยหนักในขั้นสุดท้ายที่กำลังดิ้นรนเอาชีวิตรอดในเมืองหลังวันสิ้นโลก St. Louis พร้อมด้วยสุนัขที่เหมือนลูกบุญธรรม ละครไซไฟนำเสนอโดยแฮงค์ลุยเดี่ยวที่ดุเดือดอย่างที่เราอาจไม่เคยเห็นเขาเล่นมาก่อน เลียช้อนอาหารสุนัขที่สะอาด เปลือยเปล่าในโปรไฟล์อย่าง Arnold Schwarzenegger ใน Terminator 2 และสแน็ปช็อตที่ C-3PO ยุคสุดท้ายที่เขาสร้างขึ้น การดูแลสุนัขควรให้ฟินช์ผ่าน เมื่อสภาพอากาศไม่เอื้ออำนวย ชนเผ่าเร่ร่อนที่มีข้อบกพร่องแต่จริงใจ สุนัขของเขาและหุ่นยนต์ของพวกเขามุ่งหน้าไปยังสะพานโกลเดนเกตในซานฟรานซิสโกในรถ RV ในการเดินทางบนถนนบทเรียนชีวิตจะเข้มข้นกว่าพายุฝุ่น ความลับถูกห่อหุ้มเหมือนอาหารกระป๋องอันสุดท้าย ลูกพีช และความผูกพันระหว่างคน เครื่องจักร และสุนัขเติบโตขึ้น

 

‘Finch’: Schmaltzy Tom Hanks ตัวกระตุกร่วมทีมเขาด้วยหุ่นยนต์ สุนัข และ … ไม่มีใครอีกแล้วเหรอ?
Review By Richard Roeper
ฉันเดาว่าทีมที่มีความสามารถที่อยู่เบื้องหลังละครไซไฟเรื่อง Apple TV+ หลังหายนะเรื่อง “Finch” คงจะผิดหวังที่ได้ยินนักวิจารณ์เรียกว่า “Castaway” กับ “WALL-E” แต่คำตอบของฉันจะเป็น ด้วยความเคารพ ถ้า คุณไม่ต้องการให้รถ Tom Hanks ของคุณเปรียบเทียบกับ “Castaway” กับ “WALL-E” อย่าสร้างภาพยนตร์ที่มีความคล้ายคลึงกันอย่างชัดเจนกับ “Castaway” และ “WALL-E”

สำหรับนักแสดงที่เก่งที่สุดในโลกในการแบ่งปันเวลาหน้าจอกับคนอื่น ๆ ดูเหมือนว่าแฮงค์จะชอบเล่นเป็นตัวละครที่แยกจากฝูงมนุษย์ส่วนใหญ่หรือทั้งหมดเพื่อยืดเวลาในภาพยนตร์หลายเรื่อง ไม่ว่าจะเป็น “Castaway,” “Apollo 13” หรือ “Terminal” ที่กล่าวมาข้างต้น ในความมืดมิดและเยือกเย็นและบางครั้งก็ดูน่าทึ่ง แต่มีเพียงบางครั้งที่ “ฟินช์” เคลื่อนไหวได้ แฮงค์เป็นตัวละครในบาร์นี้ ซึ่งเป็นวิศวกรหุ่นยนต์แก่ๆ ดื้อๆ ที่ดูเหมือนจะเป็นมนุษย์คนสุดท้ายบนโลกใบนี้หลังจากเปลวสุริยะได้ทำลายโลกจนเกือบจะทำลายล้าง พืชผล มลภาวะในอากาศ และสร้างสถานการณ์ปกติที่มนุษยชาติเป็นศัตรูตัวฉกาจที่สุด ซึ่งบรรดาผู้ที่รอดชีวิตจากภัยพิบัติครั้งแรกได้หันกลับมาเผชิญหน้ากันจนแทบไม่มีใครเหลืออยู่เลย
ยกเว้นฟินช์ และสุนัขที่สร้างมาเพื่อภาพยนตร์ที่ซื่อสัตย์ของเขาชื่อกู๊ดเยียร์ และคุณควรเชื่อว่ากู๊ดเยียร์ได้รับเรื่องราวเบื้องหลังที่อธิบายชื่อของเขา ซึ่งเป็นเรื่องราวเบื้องหลังที่จะทำให้คุณทุกคนสำลักและกระซิบว่า “แย่แล้ว กู๊ดเยียร์!” (ตกลงได้ดี ส่วนนั้นใช้งานได้)

โอ้ และสิ่งที่ฟินช์เป็นนักประดิษฐ์และทั้งหมดนั้น เขาสร้างหุ่นยนต์ขนาดเท่ามนุษย์ ในที่สุดเขาก็ตั้งชื่อให้เจฟฟ์ และเจฟฟ์ก็กลายเป็นมนุษย์มากขึ้นทุกวันที่ผ่านไป ดังที่ Caleb Landry Jones ให้เสียงในการแสดงที่ทั้งน่ารักและมารยาทดี เจฟฟ์เป็นสิ่งมีชีวิตที่สามารถบิดเบือนข้อเท็จจริงได้เร็วกว่าการค้นหาของ Google อยากรู้อยากเห็นอย่างไม่รู้จบเกี่ยวกับสภาพของมนุษย์และห้อยหัวเหมือนเด็กที่โดนดุเมื่อเขาทำอะไรผิด เขาเป็นหุ่นยนต์ที่ดีมากแต่เขาก็ค่อนข้างน่ารำคาญ มีแนวโน้มที่จะมีพฤติกรรมขมุกขมัว เช่น ยืนกรานให้ฟินช์เริ่มทุกเรื่องราวโดยพูดว่า “กาลครั้งหนึ่ง” เอาเป็นว่าฟินช์ไม่ใช่คนเดียวที่โกรธเกรี้ยวกับท่าทางกวนประสาทของเจฟฟ์ และวิถีแบบเด็กๆ

ด้วย “American Pie” ของ Don McLean ที่ทำหน้าที่เป็นเพลงประกอบภาพยนตร์ที่เริ่มต้นและปิดท้ายเรื่อง “Finch” เป็นการแสดงเดี่ยวที่ซาบซึ้งอย่างไม่มีอารมณ์ โดย Finch ไล่ล่าหาอาหารและเสบียงทุกวันก่อนจะกลับไปที่บังเกอร์ใต้ดินของเขาที่ Tae เทคโนโลยี บริษัทที่เขาทำงานให้ก่อนที่เสียงบี๊บจะกระทบกับแฟนๆ เป็นเรื่องสำคัญสำหรับฟินช์ที่เจฟฟ์ต้องเร่งรีบในการดูแลกู๊ดเยียร์ เพราะฟินช์มีอาการไอจากอาการป่วยที่มากขึ้นทุกวัน และเราทุกคนรู้ว่านั่นไม่ใช่สัญญาณที่ดี

เมื่อความตายกำลังจ้องมองเขาอยู่ ฟินช์จึงตัดสินใจเดินทางไปซานฟรานซิสโก โดยเฉพาะสะพานโกลเดนเกตด้วยเหตุผลบางอย่าง เอาเป็นว่า เรื่องนี้จะไม่พลาดโอกาสที่จะอบขนมด้วยอารมณ์อ่อนไหว แฮงค์เก่งพอๆ กับที่คุณคาดหวังให้เขาเป็นได้ในขณะที่เขาโต้ตอบกับสุนัขและหุ่นยนต์ ท้ายที่สุดเขาเคยเปลี่ยนวอลเลย์บอลชื่อวิลสันให้กลายเป็นนักแสดงร่วมที่น่าเชื่อถือ “Finch” จบลงอย่างที่เราคาดหวังให้จบลง แต่สิ่งที่ควรเป็นบทสรุปที่สะเทือนอารมณ์และลึกซึ้งนั้นให้ความรู้สึกว่าเกิดขึ้นจริง คุณไม่จำเป็นต้องเป็นหุ่นยนต์อัจฉริยะที่ชื่อเจฟฟ์เพื่อที่จะรู้ว่าคุณกำลังถูกหลอก

ทอม แฮงค์ส หมา และหุ่นยนต์เรื่องราวการออกเดินทางที่แสนเศร้าในฟินช์
ภาพยนตร์เรื่องใหม่ที่เปิดตัวทาง Apple TV+ ถามคำถามสำคัญ ทอม แฮงค์ส จะทำอะไรหลังจากหายนะ
Review By Richard Lawson

เราเคยเห็นทอม แฮงค์ทำตัวน่ารักกับ Dogue de Bordeaux กับวอลเลย์บอล แม้กระทั่งกับ Julia Roberts และจักรยานยนต์ ดังนั้นจึงอาจถึงเวลาแล้วที่ร่างของความอบอุ่นของพ่อและลูกของอเมริกามีรอยย่นเล็กน้อยและเต็มไปด้วยหนาม ได้ทำสิ่งที่มีเสน่ห์บางอย่างกับหุ่นยนต์ นั่นคือจุดขายของ Finch (Apple TV+, 5 พฤศจิกายน) หนังผจญภัยหลังหายนะเรื่องใหม่จากผู้กำกับ Miguel Sapochnik ทอม แฮงค์ส เป็นคนที่ไม่ค่อยทนต่อสภาพอากาศแต่ยังคงเปล่งแสงอันอบอุ่นสบายของเขา เป็นเพื่อนกับหุ่นยนต์ของตัวละครในชื่อเรื่องขณะที่พวกเขาสำรวจดินแดนที่ไม่เอื้ออำนวยซึ่งเป็นที่รู้จักอย่างจาง ๆ ว่าเป็นโลกของเราเอง

มีความคล้ายคลึงกันซึ่งค่อนข้างน่าสงสัยและอาจจงใจวาดโดย Cormac McCarthy’s The Road เกี่ยวกับชายคนหนึ่งและเด็กชายในการผจญภัยสุดโหดในอเมริกาที่ถูกทำลาย (ซึ่งถูกดัดแปลงเป็นภาพยนตร์ที่น่าตื่นเต้นและน่ากลัว) ฟินช์มีน้ำเสียงที่เบากว่าฝันร้ายของแม็กคาร์ธีเล็กน้อย แต่ก็ยังมีความเศร้าที่คล้ายกันอยู่รอบตัว ใน Finch ซึ่งเขียนโดย Craig Luck และ Ivor Powell ไม่มีภารกิจใดที่จะไถ่มนุษยชาติ เรือลำนั้นแล่นไปเมื่อนานมาแล้ว ในทางกลับกัน ตัวละครฟินช์ของแฮงค์และเพื่อนๆ พยายามเอาชีวิตรอดให้นานที่สุดเท่าที่จะทำได้ จะไม่มีการปลดปล่อยที่ยิ่งใหญ่สำหรับอนาคตของเรา

สหายเหล่านี้เป็นหุ่นยนต์สองตัวจริงๆ ซูมเมอร์ไร้คำพูดที่นึกถึงเครื่องจักรแห่งความรักจาก Wall-E และสิ่งมีชีวิตอิเล็กทรอนิกส์ที่มีความรู้สึกมากกว่านั้นในที่สุดชื่อเจฟฟ์ผู้ซึ่งได้รับเสียงและในการแสดงการเคลื่อนไหวร่างกาย โดย Caleb Landry Jones นอกจากนี้ยังมีสุนัขกู๊ดเยียร์ซึ่งเจฟฟ์ถูกสร้างขึ้นมาเพื่อปกป้องเมื่อสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้เกิดขึ้นกับฟินช์ นั่นคือทั้งหมดที่มี โดยพื้นฐานแล้ว Finch เป็นเรื่องเกี่ยวกับความพยายามเพื่อให้แน่ใจว่าการอยู่รอดของเด็กดีคนหนึ่ง

เป็นหลักฐานที่พอเหมาะพอควรสำหรับภาพยนตร์ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงเวลาที่ภาพยนตร์สเปเชียลเอฟเฟ็กต์จำนวนมากดูเหมือนมีหน้าที่ต้องแช่ตัวในตำนานที่ซับซ้อน ฟินช์กลับกลายเป็นหนังระทึกขวัญและครุ่นคิด ที่พยายามสร้างสมดุลระหว่างความเศร้าโศกอย่างท่วมท้นกับความหวังริบหรี่ มันไม่ได้ค่อนข้างบรรลุสภาวะสมดุลนั้น ฟินช์พิสูจน์ให้เห็นว่าคนเกียจคร้านแห่งจักรวาล เรื่องราวไม่ใช่เรื่องของการเอาตัวรอด แต่เป็นการตายอย่างสง่างาม ด้วยศรัทธาบางอย่างที่วางไว้ในการแบกรับความเหงาของพวกที่เหลืออยู่อย่างโดดเดี่ยวโดยไม่มีเรา

ตราบใดที่เรากำลังเปรียบเทียบสิ่งอื่นๆ ฟินช์ยังชวนให้นึกถึง The Midnight Sky ของปีที่แล้ว ซึ่งจอร์จ คลูนีย์ที่กำลังจะตายได้เดินทางข้ามผืนน้ำแข็งอันกว้างใหญ่ในภารกิจคัดแยก พยายามช่วยเหลือสิ่งเล็กๆ อย่างน้อยหนึ่งอย่าง (หรือ ไม่กี่คน) เมื่อมนุษยชาติเข้าสู่ขั้นตอนสุดท้ายของการล่มสลาย บางทีนี่อาจเป็นภาพยนตร์ประเภทที่เราจะได้รับมากกว่านี้เมื่อวิกฤตสภาพภูมิอากาศส่วนใหญ่ไม่ได้รับการจัดการโดยผู้มีอำนาจของรัฐบาลกลางและชะตากรรมของเผ่าพันธุ์ของเราดูเหมือนจะแคบลงและแคบลงในการดำรงอยู่แทบจะไม่ แต่ยังคงเป็นเรื่องที่น่าตกใจที่ภาพยนตร์หุ่นยนต์ของ Tom Hanks/Sweet Lil’ ควรนำเสนอตัวเองด้วยน้ำเสียงสิ้นหวังเช่นนี้

Sapochnik ทำสิ่งที่ดีด้วยภาพจริง ภาพของ St. Louis และชี้ไปทางทิศตะวันตกและหาดทราย ฉายรังสีและความว่างเปล่า เราเคยเห็น tableaux แบบนี้มาก่อน แต่ Finch มีความแปรปรวนและพื้นผิวมากพอที่จะแยกแยะได้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพราะเราไม่เคยพบกับแฮงค์ในสภาพแวดล้อมเช่นนี้ (การเนรเทศเกาะ Cast Away ของเขาเป็นสิ่งต้องห้ามอย่างแน่นอน แต่มันก็ค่อนข้างเขียวชอุ่ม โนแลนด์ที่กล้าได้กล้าเสียสามารถกลับไปสร้างรีสอร์ทได้) การเห็นแฮงค์ถูกรุมโทรมด้วยความพินาศเป็นเครื่องเตือนใจถึงการเสียชีวิตของนักแสดงเอง และด้วยเหตุนี้และโลกของเรา ถ้านั่นเป็นเฮดสเปซที่คุณต้องการจะอยู่เป็นเวลาสองสามชั่วโมง Finch จะทำให้คุณตื่นเต้นได้แน่นอน

ฉันคิดว่าพ่อแม่ของเด็กวัยหัดเดินบางคนจะพบบางสิ่งที่เกี่ยวข้องกับภาพยนตร์เรื่องนี้ด้วยเช่นกัน เจฟฟ์กระตือรือร้นและประมาท และถูกจำกัด (ด้วยความสามารถในการเดินใหม่) เพื่อให้ค้นพบ ขณะที่ฟินช์ได้ไล่ตาม เหนื่อย ท้อแท้ และกังวลใจ ในขณะที่เจฟฟ์ แลนดรี้ โจนส์พากย์เสียงหุ่นยนต์ตลกๆ ที่ค่อยๆ ปรับตัวให้เข้ากับความเป็นมนุษย์มากขึ้น ในขณะที่กิริยาท่าทางที่เขาน่าจะปรับให้เข้ากับงานจับภาพเคลื่อนไหวของเขานั้นดูกระตุกและพูดติดอ่างอย่างมั่นใจ มีความสอดคล้องกันในครอบครัวอย่างแท้จริงระหว่างแฮงค์และแลนดรี้ โจนส์ แสดงออกถึงแม้จะผ่านชั้นของเวทมนตร์คาถาทางคอมพิวเตอร์ที่นำไปสู่รูปแบบสุดท้ายของเจฟฟ์